Кто рисовал полных женщин: «Женщина Рубенса» — Почему Рубенс изображал только полных женщин?

Содержание

«Женщина Рубенса» — Почему Рубенс изображал только полных женщин?

Бытует мнение, что во эпоху Ренесанса (Возрождения) красивыми считались только полные женщины, которое, верно лишь от части. Описания красавиц 14, 15 и 16 веков говорят нам об обратном. Идеалом считается рослая женщина, обладающая утонченной фигурой с широкими бедрами о крупной грудью. 

Лишь ближе к началу 17 века, который редко относят к эпохе Возрождения, в живописи начинают преобладать изображения пышных дам. И главным творцов в этом направлении становится Питер Пауль Рубенс, хотя его героини имеют гораздо более объемные форму чем у современников.

Три грации Рафаэля и Рубенса:

Три грации 1504 год. Музей Конде, Шантильи. РафаэльТри грации 1634 год. Музей Прадо, Мадрид. Рубенс Питер Пауль
Нидерландский (фламандский) художник Питер Пауль Рубенс (1577 — 1640) так часто изображал в своих работах крупных женщин что даже появился термин «Рубенсовская женщина». 

Существуют прямо противоположные мнения по поводу происхождения «женщины Рубенса». Одни исследователи полагают что Рубенс сам восхищается пышными дамами и демонстрирует свое пристрастие в искусстве; другие, что это реальность общества в котором оказался художник; третьи, полагают что «рубенсовская женщина» это гротеск призванный обратить внимание на пороки современников.

Так, искусствовед Эжен Фромантен (1820—1876) считал, что Рубенс был поклонником женской красоты определенного типажа, его жены имели похожую внешность. Но с гениальной руки художника именно этот тип женской красоты стал олицетворением Возрождения, а понятие «рубенсовская женщина» стала именем нарицательным. 

Однако, все это не более чем догадки. Сам художник никогда не комментировал свои произведения. Личных дневников не вёл, да и письма его содержат почти одну деловую информацию. Портретов Рубенс тоже почти не писал. Даже когда герцог Винченцо Гонзага, у которого Рубенс служил придворным художником, отправил его во Францию что бы написать портреты лучших красавиц, Рубенс не выполнил поручение и ухал в Италию.

Религиозность

По мнению знаменитого британского искусствоведа К. Кларка, рубенсовское изобилие плоти можно понять, только учитывая, что он был религиозным художником. В качестве примера он приводил картину «Три грации», отмечая, что пышность этих фигур — не что иное, как гимн благодарности за изобилие земных благ, воплощающий «то же бесхитростное религиозное чувство, которое воплощают снопы пшеницы и груды тыкв, украшающие деревенскую церковь во время праздника урожая». 

В своей монографии о наготе в искусстве (1956) К. Кларк подчёркивал, что даже в среде художественных критиков считается признаком хорошего вкуса критиковать Рубенса как «художника, писавшего жирных голых баб» и, более того, употреблять определение «вульгарный».

Коммерческий образ

К тому же, нельзя забывать, что Рубенс был не только гениальным художником, но и великолепным продавцом. Если признать, что из-под его кисти вышло около 1300 картин (не считая такого же количества работ его учеников), можно рассчитать, что за 41 год активной творческой деятельности он писал и продавал в среднем по 60 картин (в том числе гигантского размера) в год, то есть 5 картин в месяц.

Рубенс не скрывал коммерческой направленности своего творчества и придавал огромное значение материальному благосостоянию. Он сравнивал собственное творчество с философским камнем. Ходил анекдот, что алхимик Брендель предложил Рубенсу вложиться в лабораторию для превращения свинца в золото под половину будущих прибылей, на что художник заявил, что уже давно нашёл свой философский камень и что «ни один из ваших секретов не стоит столько, сколько моя палитра и кисти».

Рубенс заботился о своих авторских правах. Значительную часть его дохода приносило распространение гравюр с вариациями сюжетов его картин, они одновременно служили и рекламными проспектами. Рубенс всегда заключал с заказчиком договор, в котором оговаривалась желаемая сумма, размер картины и её сюжет.

В этом смысле любопытна разница в изображении красавиц богинь Рубенсом на раннем эскизе картины «Суд Париса» выполненном маслом по меди, и ее последующим, предназначенным для продажи, воплощением на деревянном холсте.

Рубенс. Суд Париса (эскиз маслом по меди 32.5 х 43.5). ок. 1606Рубенс. Суд Париса. 1639 годПервая версия картины была написана во время поездки в Италию около 1606 года. Позже, появились еще три версии — 1625, 1626 и 1639 года. 

Картины изображающие суд Париса различных художников отчасти дают нам представления о красоте тех времен, так как подразумевают изображение трех богинь символизирующих красоту. 

«О подражании статуям»

В 1699 году французский искусствовед Роже де Пиль (1635 – 1709) опубликовал отрывок «О подражании статуям» на латыни из рукописной книги Рубенса в котором содержится довольно любопытный фрагмент: 

Основное различие между жизнью нашего века и жизнью древних — праздность и отсутствие физических упражнений; ведь ясно, что еда и питье не способствуют укреплению тела. Потому-то появляется отвислый живот, ожирение от постоянного обжорства, дряблые ноги и руки, истощенные собственным безделием. В древности же, напротив, все ежедневно упорно трудились в палестрах и гимнасиях, причем даже до седьмого пота, до полного изнеможения.
Piles R. de. Cours de peinture par principes. Paris, 1708, p. 139

К сожалению, книга сгорела в 1720 году (в Париже вместе с коллекцией знаменитого художника-мебельщика Буля) и нельзя достоверно определить являлся ли Рубенс автором трактата или он был написан кем-то из его ближайшего окружения.

В целом, мы должны признать что не имеем достоверных сведений о причинах по которым Рубенс изображал именно такой образ женщины.

Тем не менее, мы действительно видим что образ красивой женщины с середины 16 века становится значительно крупнее, но нельзя не отметить, что эта мода касается исключительно высших слоев общества.

Показатель статуса

Мода служила средством классового обособления, однако, с ростом благосостояния среднего класса «красивые платья» стали доступны не только элите. Само-собой богачам это было не по духу, даже предпринимались безуспешные попытки запретить «низшим» одевать своих жен как благородных дам.

Так, Елизавета I Английская запрещала простолюдинам носить пышную кружевную отделку ворота (брыжи) и кринолины — жесткую конструкцию задающую конусообразную форму юбки. В немецком городе Цитау, 1353 году, всем за исключением публичных женщин, было запрещено носить капюшоны.

Венецианский Высокий Совет в указе 17 века запретил обычным женщинам посещать церковь в «в оголенном виде»:

«Только публичным женщинам разрешается ходить и посещать церкви в оголенном виде. Каждый супруг должен был бы удержать жену от такого оголения, иначе он обязан заплатить несколько сот дукатов, без различия, благородного ли он происхождения или нет».

Лондонский хронист в записках о царствовании Елизаветы I отмечает:

«Сорок лет тому назад в Лондоне не было и двенадцати галантерейщиков, торговавших вычурными шляпами, бокалами, поясами, мечами и кинжалами, а теперь каждая улица, от Тауэра до Вестминстера, переполнена ими и их лавками, сверкающими и сияющими стеклом».

В стремлении подчеркнуть свой высокий статус, женщины высших сословий стали доходить до крайностей, в том числе они обвешивали себя огромным количеством крайне дорогого жемчуга и даже подкладывали под одежду подушки чтобы казаться больше, что свидетельствовало о богатстве.

В книгах немецкого историка Эдуарда Фукса (1870-1940), в частности в издании «Иллюстрированная история нравов» приводится цитата младшего современника Рубенса, французского историка Брантома (1540 —1614):

«По мнению Брантома, величественно сложенная женщина заслуживает глубочайшего преклонения. Она должна быть высокого импозантного роста, обладать пышной прекрасной грудью, широкими бедрами, крепкими ягодицами — как Венера Каллипига, — полными руками и ногами, «способными задушить гиганта».
И далее:

«Брантом говорит по поводу любовной авантюры величественной по своему телосложению женщины: «Вот почему полные женщины заслуживают предпочтения хотя бы ради только их красоты и величия, ибо за эти последние, как и за другие их совершенства, их ценят. Так, гораздо приятнее управлять высоким и красивым боевым конем, и последний доставляет всаднику гораздо больше удовольствия, чем маленькая кляча».»

Здесь нужно отметить что Брантом писал исключительно о высших слоях общества и умер в 1614 году, когда образ «рубенсовской женщины» был более умеренным. К тому же, в качестве сравнения используется «Венера Каллипига» которая отражает вовсе другой идеал женской фигуры. Однако, Фукс, говоря что женщина должна быть Венерой и Юноной в одном лице, делает довольно странный вывод: «Таковы женщины Рубенса, созданные им для бессмертной жизни в лице трех Граций». Возможно, Фукс имел ввиду не оригинал статуи, а то как их изображали художники 17-18 веков, когда героини античных произведений воспроизводились совсем в другом образе.

Главной красавицей 17 века считается Нинон де Ланкло (1615/1623 — 1705) — французская куртизанка, писательница и хозяйка литературного салона, кроме прочего, известная своей красотой которую она сохранила на протяжении все жизни. Но, как ни странно, нам практически ничего не известно о внешности Нинон. Самое раннее изображение красавицы было сделано в 19 веке и то копирует внешность ее современницы, фаворитки короля Франции Людовика XIV Маркизы де Монтеспан (1641 — 1707).

Портрет мадам Монтеспан (ателье Пьера Миньяра)Портрет Нинон де Ланкло. 19 век. Антуан Жан Батист Купе (ок. 1784 — 1852)
Все что мы знаем о внешности Нинон, это описание некого современника:

«Изящная, превосходно сложенная брюнетка с цветом лица ослепительной белизны, с легким румянцем, с большими синими глазами, в которых одновременно сквозили благопристойность, рассудительность, безумие и сладострастие, ротиком с восхитительными зубами и очаровательной улыбкой, Нинон держалась с необыкновенным благородством, но без гордости, обладая поразительной грацией манер»

как и почему писали великие художники прошлого — Платформа — «Проекти»

8 лютого 2016

Современному культурному человеку стоит если не разбираться в живописи, то хотя бы уметь притворяться, что он это делает. Чтобы помочь современным культурным людям, журналистка Анна Попова написала для Platfor.ma о том, как и почему рисовали семь великих художников прошлого: от Тициана и Караваджо до Ван Гога и Дега.

 

Мучительный Тициан

Если на картине все мучаются и страдают – скорее всего, виноват в этом именно Тициан. Большинство сюжетов его живописи вращаются вокруг того, что все очень плохо. Возможно, он и сам был не в восторге о того, что с его полотен все смотрят крайне печально. Но ведь сюжет диктует свои условия, а кульминация – всегда самый интересный момент. Какая Магдалина интереснее и имеет подтекст поучительнее и нравственнее? – Естественно, кающаяся!

 

Еще одной отличительной особенностью художника был его излюбленный цвет волос – огненно-рыжий. Хотя на самом деле никто не сможет точно сказать, что же это за цвет – темно-морковный, золотисто-рыжий или еще какой-то редкий оттенок. Как бы там ни было, во времена Тициана такой цвет был в моде. И это несмотря на то, что католическая церковь запрещала дамам красить волосы. Тем не менее, красота так манила женщин, что для покраски в ход шли хна, яйца, шафран и сера, после которой им становилось плохо, кружилась голова и тошнило, но все упорно и настойчиво шли за модой.

 

Венера Урбинская. 1538.

Самыми упорными в то время были венецианки, и Тициан – лучший живописец Венеции – не мог не заметить красавиц вокруг. С его легкой руки даже появился особый тип внешности: «тициановская» – бледная кожа и рыжие волосы. Так что если на картине явно недовольные жизнью люди, да еще и с рыжими волосами – задумайтесь о Тициане.

 

 

Буйный Караваджо

 

 

 

На многих полотнах Микеланджело Караваджо нарисован Марио Миннити. Этот молодой человек познакомился с 22-х летним художником и вскоре перебрался к нему жить. Вероятней всего, жили они вместе не совсем как друзья и не просто совместно снимали комнатку для экономии денежных средств. Потому, когда основателя реализма в живописи пригласили жить во дворец кардинала Дель Монте, Караваджо не забыл про любимого друга. И жили бы они долго и счастливо, вот только художник был невероятно вспыльчив, так что в 1600-м году они рассорились, и Миннити уехал на родную Сицилию, где, к слову, стал основоположником целой школы живописи. Караваджо тем временем совсем разошелся. Художник полюбил и пить, и драться, и после очередной большой потасовки с его участием произошло убийство. Из тюрьмы Караваджо удалось убежать, а на Сицилии его приютил именно Миннити – уже женатый мужчина. В любом случае, кем бы он ни был для Караваджо, на полотнах он навсегда остался юношей с корзиной фруктов, мальчиком, укушенным ящерицей и просто Марио Миннити, любимой моделью художника.

 

 

Жовиальный Питер Пауль Рубенс

Говорим Рубенс – подразумеваем полных людей. А все потому, что пышнотелые особы в те времена считались идеалом красоты и здоровья. Они могли позволить себе много кушать, значит были богаты, а богатство – это всегда привлекательно. Да и самому Рубенсу больше нравилось писать пышные формы, так ему было интереснее. Много складок, выпуклостей, мягких изгибов – рай для мастера кисти. Так что тут сошлась и мода, и работа с тонкостями толстого человеческого тела, которая приносила Рубенсу особое удовольствие. Сам художник особенно упитанным, к слову, не был.

 

Суд Париса, 1638

 

Полутона Эдгара Дега

Судя по всему, сам Эдгар Дега был довольно интересным человеком. Он был красив, с хорошими манерами и родом из богатой семьи, что позволяло ему свободно заниматься живописью. Правда, с такой характеристикой соглашались не все. Другие люди, знававшие его, говорили, что он был необычайно горделив, носил заношенное немодное пальто и вообще прослыл снобом и отшельником. Короче говоря, Дега сумел всех запутать и оставить в дураках.

 

Голубые танцовщицы, 1897

О жизни великого француза не так уж много информации, а все, что связано с ним – игра полуслухов, полутонов и полутени впечатлений. Например, о личной жизни художника неизвестно абсолютно ничего. Тем не менее, он страшно любил рисовать женщин, и именно благодаря этому мир увидел его балерин. Однако эротики в их изображениях не сыскать. Сам он говорил о них так: «Балерины всегда были для меня лишь предлогом, чтобы изобразить замечательные ткани и ухватить движение». В противовес другим художникам, изображавшим театр далеким от действительности – с замершими артистами в наигранных позах, Дега видел другое – театр глазами зрителя: движение руки или мгновение, когда чей-то проходящий мимо профиль вдруг помешал охватить все действие целиком. Движение – это жизнь. Поэтому, когда на картине вы видите балерину, смело восклицайте: «Знаем-знаем, это же Дега!» Особенно на картине пастелью. Здесь у вас невероятно мало шансов промахнуться.

 

 

Яркость Винсента Ван Гога

Ван Гога трудно перепутать с другими художниками. И не только потому, что его совсем уж затаскали по репродукциям, рекламе, блокнотам и ручкам. Просто Ван Гога знают все. Как будто из детства и по умолчанию. Все дело – в яркой манере письма художника. В определенный период творчества Ван Гог наплевал на все условности, отложил палитру в сторону и писал прямо из тюбика. Крупными «змеиными» мазками. А главное – ярко.

 

Ночное кафе, 1888 год

Бесспорно, Ван Гог был великим художником, и, к сожалению, он болел. Чем точно – сложно сказать. Пишут, что у него была эпилепсия или шизофрения – или все вместе. При этом по картинам художника можно как по карте читать историю болезни – так говорят психиатры. Яркий и всеми узнаваемый желтый цвет Ван Гога – это ничто иное как «аура» – так называют симптом эпилепсии. Желтые и оранжевые цвета весьма характерны для видений, а существующие данные о припадках, которыми страдал Ван Гог, также свидетельствуют об эпилепсии. Про «ауру», к слову, можно прочесть у Достоевского в его романе «Идиот». Фёдор Михайлович сам болел эпилепсией и смог очень правдоподобно описать приступ, а вернее, преддверие приступа – «ауру» у главного героя Мышкина.

 

Картины Ван Гога финального периода творчества весьма хаотичны и импульсивны. Краски стали грубее, в них уже нет такого колючего внутреннего напряжения, цвета – не такие яркие. В работах чувствуется явный упадок тонкости ощущений и некая истощенность. Смотреть на мир иначе – довольно сложный дар.

 

 

Брейгель, Брейгель и Брейгель

Первое, что всегда нужно говорить о Брейгеле с крайне умным видом – это что художников с такой фамилией было трое. Отец Питер и два сына: Питер-младший и Ян. Самый известный из них старший Брейгель. Зато младшим достались звучные прозвища: Питера называли «Адским», а Яна – соответственно, «Райским». Стиль Брейгеля-старшего – это четкая детализация и некоторая плоскость фигур в сдержанной цветовой палитре. Иногда Брейгель использовал для своей картины тему какой-нибудь фламандской пословицы или народной шутки. Его полотна – это всегда жанровые картины, аллегории сатиры на бытовую или религиозную тематику. И, конечно же, Брейгель-старший – это непременно масса людей. Маленьких и мелких, которые чем-то заняты или не заняты ничем. Кучки людей возятся в кучках забот и хлама. В большинстве случаев это многообразная деревенская жизнь, с долей горечи социальной несправедливости.

 

Битва поста и масленицы, 1559

Возможно, дело в том, что Брейгель в свое время был крайне впечатлен работами Босха и создавал свои вариации его картин. Но, в отличие от Босха, Брейгель-старший был реалистом. Картины, а вернее техника Брейгеля – это его собственный почерк. Кошмар, который изображал художник – это кошмар реальности – как, например, солдаты, убивающие людей. В то время как кошмар Босха – это кошмар сна, другого подземного или надземного мира. Из-за любви к крестьянским сюжетам Брейгелю дали прозвище «мужицкий», так что перепутать работы Босха и Брейгеля невозможно. Брейгель-старший – это полотно, кипящее событиями, но абсолютно реальными и всегда с подтекстом. А вот если на картине человека жрёт неведомо кто – это уже Иероним Босх.

 

 

Дерзкий Эль Греко

Великий испанец Эль Греко учился в мастерской Тициана, но если поставить рядом работы двух художников, то ничего общего в них не найти. Стиль Эль Греко удивительно новаторский для своего времени – при взгляде на его работы кажется, что по технике исполнения они намного ближе к нашему времени, чем к живописи XVI—XVII веков. Многие искусствоведы относят стиль Эль Греко к маньеризму, а не к барокко, а затем начинают спорить, относится маньеризм к барокко или нет. Как бы там ни было, живопись этого мастера очень самобытна и не похожа на живопись испанских придворных художников того времени, опережая ее не только по духу, но и по технике. Возможно, поэтому после смерти живописца его имя было практически забыто на целых 300 лет – несправедливо долго.

 

Моление о чаше, 1605

Что характерно для Эль Греко? Тяжелые грозовые тучи и отвратительная погода, искаженные пропорции, а контрастность такая, словно некоторые детали обвели перманентным маркером. Все на полотнах тяготеет к торжественно-траурному величию. Кстати, из-за нестыковок с пропорциями даже ходил слух, что у художника были проблемы со зрением. На самом деле, отнести Эль Греко к его времени сложно, так как он не просто опередил своих современников, а как будто даже родился не в свое время. Экспрессионизм, например, подошел бы ему в самый раз. Так что если вы забрели в отдел барокко и вдруг наткнулись на картины, которые явно выделяются из общего стиля, будьте уверены – вы смотрите на Эль Греко.

 

 

Вторая часть историй о великих художниках.

10 женщин со знаменитых картин, о чьих судьбах мы не знали / AdMe

О картине мы прежде всего знаем две вещи: ее автора и, возможно, историю полотна. А вот о судьбах тех, кто смотрит на нас с холстов, нам известно не так уж и много.

AdMe.ru решил рассказать о женщинах, чьи лица нам хорошо знакомы, а их истории — нет.

Жанна Самари

Огюст Ренуар, «Портрет актрисы Жанны Самари», 1877 г.

Актриса Жанна Самари хоть и не смогла стать звездой сцены (играла она преимущественно служанок), но повезло ей кое в чем другом: некоторое время она жила недалеко от мастерской Ренуара, который в 1877-1878 годах написал четыре ее портрета, тем самым прославив куда больше, чем это могла бы сделать ее актерская карьера. Жанна играла в спектаклях с 18 лет, в 25 она вышла замуж и родила троих детей, затем даже написала детскую книжку. Но прожила эта обаятельная дама, к сожалению, не долго: в 33 года заболела брюшным тифом и скончалась.

Чечилия Галлерани

Леонардо да Винчи, «Дама с горностаем»,
1489-1490 гг.

Чечилия Галлерани была девушкой из благородной итальянской семьи, которая в возрасте 10 (!) лет уже была помолвлена. Однако когда девочке было 14, помолвка по неизвестным причинам была расторгнута, а Чечилия отправлена в монастырь, где и познакомилась (или же все это было подстроено) с герцогом миланским Людовико Сфорца. Завязался роман, Чечилия забеременела и герцог поселил девушку в своем замке, но тут пришло время вступить в династический брак с другой женщиной, которой, конечно же, присутствие любовницы в их доме не понравилось. Тогда после родов Галлерани герцог забрал себе сына, а ее выдал замуж за обедневшего графа.

В этом браке Чечилия родила четверых детей, держала чуть ли не самый первый в Европе литературный салон, бывала у герцога в гостях и с удовольствием играла с его ребенком от новой любовницы. Спустя время супруг Чечилии погиб, наступила война, она потеряла свое благосостояние и нашла приют в доме сестры той самой жены герцога − вот в таких замечательных отношениях она умудрялась быть с людьми. После войны Галлерани вернула свое имение, где и жила вплоть до своей смерти в возрасте 63 лет.

Зинаида Юсупова

В.А. Серов, “Портрет княгини Зинаиды Юсуповой”, 1902 г.

Богатейшая российская наследница, последняя из рода Юсуповых, княжна Зинаида была невероятно хороша собой, и, несмотря на то что ее расположения добивались в числе прочих августейшие особы, замуж она хотела выйти по любви. Желание свое она осуществила: замужество было счастливым и принесло двоих сыновей. Юсупова много времени и сил тратила на благотворительную деятельность, причем после революции продолжила ее и в эмиграции. Любимый старший сын погиб на дуэли, когда княгине было 47 лет, и она с трудом перенесла эту утрату. С началом волнений Юсуповы покинули Петербург и поселились в Риме, а после смерти супруга княгиня переехала к сыну в Париж, где и провела остаток своих дней. 

Мария Лопухина

В.Л. Боровиковский, «Портрет М.И. Лопухиной», 1797 г.

Боровиковский написал множество портретов русских дворянок, но этот — самый чарующий. Мария Лопухина, представительница графского рода Толстых, изображена здесь в нежном возрасте 18 лет. Портрет был заказан ее супругом Степаном Авраамовичем Лопухиным вскоре после свадьбы. Непринужденность и чуть надменный взгляд кажутся то ли обычной позой для подобного портрета эпохи сентиментализма, то ли признаками меланхолического и поэтического нрава. Судьба этой загадочной девушки оказалась печальной: спустя всего 6 лет после написания картины Мария умерла от чахотки.

Джованина и Амацилия Пачини

Карл Брюллов, «Всадница», 1832 г.

«Всадница» Брюллова — блистательный парадный портрет, в котором роскошно все: и яркость красок, и пышность драпировок, и красота моделей. На нем изображены две девочки, носившие фамилию Пачини: старшая Джованина сидит на лошади, младшая Амацилия смотрит на нее с крыльца. Картину Карлу Брюллову — своему многолетнему возлюбленному — заказала их приемная мать, графиня Юлия Павловна Самойлова, одна из красивейших женщин России и наследница колоссального состояния. Повзрослевшим дочерям графиня гарантировала большое приданое. Но получилось так, что к старости она практически разорилась, и тогда приемные дочери Джованина и Амацилия через суд взыскивали у графини обещанные деньги и имущество.

Симонетта Веспуччи

Сандро Боттичелли, «Рождение Венеры»,
1482–1486 гг.

На знаменитой картине Боттичелли изображена Симонетта Веспуччи — первая красавица флорентийского Ренессанса. Симонетта родилась в богатой семье, в 16 лет вышла замуж за Марко Веспуччи (родственника Америго Веспуччи, «открывшего» Америку и давшего континенту свое имя). После свадьбы молодожены обосновались во Флоренции, были приняты при дворе Лоренцо Медичи, в те годы славившемся пышными пирами и приемами.

Красивая, при этом очень скромная и доброжелательная Симонетта быстро влюбила в себя флорентийских мужчин. Ухаживать за ней пытался и сам правитель Флоренции Лоренцо, но активнее всех ее добивался его брат Джулиано. Красота Симонетты вдохновляла многих художников того времени, среди которых был Сандро Боттичелли. Считается, что с момента их встречи моделью всех Мадонн и Венер кисти Боттичелли была именно Симонетта. В возрасте 23 лет Симонетта умерла от чахотки, несмотря на старания лучших придворных врачей. После этого художник изображал свою музу только по памяти, а в старости завещал, чтобы его похоронили рядом с ней, что и было выполнено.

Вера Мамонтова

В.А. Серов, «Девочка с персиками», 1887 г.

Самая знаменитая картина мастера портрета Валентина Серова была написана в усадьбе богатого промышленника Саввы Ивановича Мамонтова. Ежедневно на протяжении двух месяцев художнику позировала его дочь, 12-летняя Вера. Девочка выросла и превратилась в очаровательную девушку, вышла замуж по взаимной любви за Александра Самарина, принадлежащего к известной дворянской фамилии. После свадебного путешествия по Италии семья поселилась в городе Богородске, где один за другим родилось трое детей. Но неожиданно в декабре 1907 года, спустя всего 5 лет после свадьбы, Вера Саввишна умерла от воспаления легких. Ей было всего 32 года, а ее муж больше так и не женился.

Александра Петровна Струйская

Ф.С. Рокотов, “Портрет Струйской”, 1772 г.

Этот портрет кисти Рокотова словно воздушный полунамек. Александре Струйской было 18, когда ее выдали замуж за очень богатого вдовца. Есть легенда, что на свадьбу муж подарил ей ни больше ни меньше как новую церковь. И всю жизнь писал ей стихи. Был ли этот брак счастливым, доподлинно не известно, но все, кто бывал в их доме, обращали внимание на то, как несхожи между собой супруги. За 24 года брака Александра родила мужу 18 детей, 10 из которых умерли во младенчестве. После смерти мужа она прожила еще 40 лет, твердо управляла поместьем и оставила детям приличное состояние.

Галина Владимировна Адеркас

Б.М. Кустодиев «Купчиха за чаем», 1918 г.

«Купчиха за чаем» Кустодиева — настоящая иллюстрация той яркой и сытой России, где ярмарки, карусели и «хруст французской булки». Написана картина была в послереволюционном голодном 1918 году, когда о таком изобилии можно было только мечтать.

Для купчихи в этом портрете-картине позировала Галина Владимировна Адеркас — натуральная баронесса из рода, ведущего свою историю аж от одного ливонского рыцаря XVIII века. В Астрахани Галя Адеркас была соседкой Кустодиевых по дому, с шестого этажа; в студию девушку привела жена художника, приметив колоритную модель. В этот период Адеркас была совсем молода — студентка-первокурсница медицинского факультета — и на набросках ее фигура выглядит гораздо тоньше. Окончив университет и проработав какое-то время хирургом, она бросила профессию и в советские годы пела в составе русского хора, участвовала в озвучивании фильмов, вышла замуж и стала выступать в цирке. 

Лиза дель Джокондо

Леонардо да Винчи, «Мона Лиза»,1503–1519 гг.

Пожалуй, один из самых известных и загадочных портретов всех времен и народов — это знаменитая Мона Лиза кисти великого Леонардо. Среди множества версий о том, кому принадлежит легендарная улыбка, официально в 2005 году подтвердилась следующая: на полотне изображена Лиза дель Джокондо, супруга торговца шелком из Флоренции Франческо дель Джокондо. Портрет мог быть заказан художнику, чтобы отметить рождение сына и покупку дома.

Вместе с мужем Лиза вырастила пятерых детей и, вероятнее всего, ее брак был основан на любви. Когда супруг умер от чумы и Лизу также поразила эта тяжелая болезнь, одна из дочерей не побоялась взять маму к себе и выходила ее. Мона Лиза вылечилась и прожила еще некоторое время вместе со своими дочерьми, скончавшись в возрасте 63 лет.

7 современных художников, воспевающих женскую красоту

Во все времена художников восхищали, вдохновляли и вели к творческим подвигам прекрасные женщины. Именно благодаря им великие мастера каждой эпохи создавали свои шедевры. И сегодня по-прежнему одной из главных тем в живописи остается женская красота и чувственность.

 

Сонные нимфы Сергея Маршенникова

Сергею Маршенникову 41 год. Он живет в Санкт-Петербурге и творит в лучших традициях классической русской школы реалистичной портретной живописи. Героинями его полотен становятся нежные и беззащитные в своей полуобнаженности женщины. На многих самых известных картинах изображена муза и жена художника Наталья.

Лирическое настроение Висенте Ромеро

Висенте Ромеро Редондо (Vicente Romero Redondo) родился в Мадриде в 1956 году. С самого детства мечтал заниматься живописью. В какой-то момент посвятил свою деятельность скульптуре, но однажды осознал, что сможет самовыразиться только в живописи. В своих романтических портретах Висенте Ромеро удается идеально сочетать реализм и свободное использование цвета.

Страстные силуэты Андре Кона

Страсть, романтика, танец, тайна, загадка, всплеск чувств, роскошные женщины — все это Андре Кон (Andre Kohn). Он родился в Волгограде в 1972 году. В 1984 году он со своей семьей переехал в Москву, в дальнейшем поступил в Московский университет и в 1992-м эмигрировал в США. Его работы быстро стали заметны, многие картины находятся в частных, корпоративных и музейных коллекциях по всему миру.

Эмоциональный реализм Стива Хэнкса

Лица людей на большинстве картин художника затемнены или повернуты в сторону. Это сделано для того, чтобы выразить эмоции и чтобы тело «говорило». «Я всегда старался показать миру только позитивные моменты жизни. Я надеюсь, что мои работы приносят радость, умиротворение и уют в жизнь зрителя», — говорит Хэнкс.

Мечты о море Михаила и Инессы Гармаш

Довольно редко встречаются среди художников семейные пары. Однако Михаил и Инесса Гармаш — тот случай, когда семейный союз превратился в продуктивный творческий тандем. На картинах художники часто изображают свою дочь. Пара работает не только с холстом, создавая также работы и в технике витража и мозаики.

Южный полдень Пино Даени

Пино Даени (Pino Daeni) родился 8 ноября 1939 года в Италии, Бари. Пино учился в Художественном институте города Бари, а в 1960 году поступил в миланскую Академию Брера. Он оттачивал свое мастерство, рисуя обнаженные модели и бесчисленные этюды с человеческими фигурами. Большое влияние на формирование его художественного стиля оказали прерафаэлиты. Работы Пино — это гимн чистой женственности, чувственной, нежной и бесконечно прекрасной.

Аргентинские страсти и задумчивость Фабиана Переза

Фабиана Переза (Fabian Perez) вдохновляет всякое проявление красоты. Он признаёт, что основное влияние на его творчество оказал отец, у которого было несколько ночных клубов. Атмосфера чувственности и романтизма, которая некогда впечатлила Фабиана, неизменно овеивает его женские портреты и клубные сцены по сей день.

Алина Никонова «99 и еще 1 глупый вопрос об искусстве» — отзыв «…хороша именно та картина, которая нравится лично вам.» от atseton

Алина Никонова написала отличную книгу об искусстве. Уверяю, ее будет интересно читать абсолютно каждому человеку, мало-мальски интересующемуся этой темой.
Книга представляет собой ответы на 100 вопросов, которые народ, вроде как, не решается задать искусствоведам в музеях. Вопросы эти касаются абсолютно разных областей искусства: тут вам и живопись, и архитектура, и скульптура, и концептуальное искусство, и народное творчество (промысел), и еще куча всякого интересного. Некоторые вопросы абсолютно замусоленные (а чё там у Ван Гога с ухом-то случилось? а чё это у Пикассо такие страшные картины? а чё это Малевич нарисовал дорожный знак и все им восхищаются?), некоторые по-нтвшному интересные (а правда, что все художники заканчивали жизнь трагически? а они совершали преступления? а среди них были сумасшедшие?), некоторые совершенно неожиданные (как определить кем и когда написана икона?), а какие-то аналитические (почему в России там мало картин зарубежных художников? a почему нельзя вернуть произведения искусства, которые у нас изъяли нацисты?). Вопросы максимально разносторонние. Ответы на них касаются не только истории, но и теории искусства, затрагивают личные жизни художников, исторический контекст.
Плюсы:
Манера изложения автора. Алина Никонова объясняет все очень доступно и просто. Пишет она так, что информация быстро и легко запоминается. Ответы получаются довольно краткими, но емкими.
Примеры. Зачастую для ответов автор выбирает очень не тривиальные примеры. Я этим была восхищена. Например, прочитав достаточно книг о живописи, я нигде не встретила упоминания интересного мне художника Микалоюса Чюрлёниса. А вот Алина Никонова взяла его к себе в книжечку и неплохо рассказала о нем. Такой ее выбор мастеров значительно расширяет горизонты читателя, потому что книги, как правило, ограниченные объемом, всегда берут для примеров личностей выдающихся и всем-всем известных (или уважаемых автором). Здорово было встретить другой подход и приятно удивиться.
Очень-очень интересные вопросы.
Оформление. Бумага плотная, иллюстрации качественные и хорошо отражают информацию в ответах.
Минусы:
Подписи. Вот что бесило меня до изнеможения. Зачем? Зачем, эти пафосные тупейшие подписи, характеризующие авторов вопросов? Неужели вопрос о том, были ли в России гомосексуальные художники, может задать только «нервно краснеющий молодой человек»? Или о том, почему на полотнах современных художников женщины такие некрасивые, и почему они вообще соглашались позировать для таких картин, может интересовать только «глуповатого вида блондинку, похожую на барби»? А дальше по привычной схеме: совершали ли художники преступления спросит полицейский с планшетом; почему на картинах средневековья так много страдальцев осведомится сердобольная старушка, подкармливающая собак во всех подворотнях; причинами почему же Рубенс рисовал полных женщин, (это же некрасиво!) обеспокоится непременно анорексичка; а вопросом о том, почему матери-художницы изображали своих обнаженных детей, сами понимаете, озаботится работница отдела опеки. Это, судя по всему, должно быть смешно, но, по-моему, никак не лепится сюда, смотрится пошло и банально.
Неполные ответы. Из ста вопросов были такие, на которые автор дала ответ президентской модели: длинный и путанный, но вообще не проясняющий ничего из того, что хотел бы прояснить автор вопроса. Из подобного: а что значат картины Дали, как научиться их понимать?, почему такие уродливенькие картины Пикассо считаются гениальными? Ответы приведены весьма развернутые. Но после их прочтения, вы не приблизитесь к пониманию картин Дали и гениальности Пикассо.
Распределение ответов. Вопросы и ответы на них даны в абсолютном разбросе во времени. А если бы их структурировать по схеме: от античности до наших дней, то книга еще и могла бы рассказать историю искусства. Что было бы двойным комбо. А так, у нас 1-й вопрос об иконописцах, 20-й, 35-й, 79-й и 90-й (например). И перемежаются иконописцы то современными художниками, то дадаистами, то психами, поливающими картины кислотой, что совсем сбивает с толку. И сиди, собирай этот ментальный пазл. Почему бы не распределить всю эту информацию последовательно?
Меня книга Алины Никоновой очаровала. Радостно, что сейчас выпускаются такие, интересные широким массам, книги об искусстве. Разница лишь в том, что человеку, начинающему изучать все это, придется немало гуглить. А тех, кто с искусством уже знаком, ждет увлекательное, познавательное и при этом не заумное чтение.

Самые известные женские портреты в живописи русских художников — «Лермонтов»

Портреты женщин известных русских художников
Самые дорогие картины женщин известных русских художников


Русские живописцы нередко обращались в своих работах к образу женщины. Одни через него выражали самые сокровенные чувства от любви до глубокой печали, другие создавали свой образ русской женщины — хранительницы очага, третьи просто любовались ими. Далее мы рассмотрим наиболее известные женские портреты русских художников и самые дорогие картины с изображением женщин, которые уходили с крупных аукционов.

Портреты женщин известных русских художников

«Девушка, освещенная солнцем» и «Девочка с персиками» Серова


Начнем мы наш список с известных портретов Валентина Серова «Девушка, освещенная солнцем» и «Девочка с персиками». Многих до сих пор интересует, в чем же секрет этих двух картин, которые практически каждый знает и сегодня. Особенно это становится любопытным в свете того, что молодому художнику на момент их создания было немногим больше двадцати лет.

В. Серов. «Девушка, освещенная солнцем». 1888 г.


Один из секретов успеха этих картин кроется в том, что Серов долгое время раздумывал над одной важной особенностью всякого полотна. Он заметил, что реальный момент всегда ярче и живее, чем то, что удается запечатлеть даже самым именитым художникам. И это привело его к поиску такого решения, которое позволило бы запечатлеть именно сам момент во всей его живости и красоте.


Когда однажды в усадьбе Мамонтовых, где он гостил, в столовую вбежала раскрасневшаяся дочка хозяина Вера, взяла персик и стала его есть, художника поразило очарование этого момента. Он немедленно усадил девочку и уговорил ее позировать ему. Но одно дело было запечатлеть в памяти момент с растрепанной румяной девочкой в простом платье, которая только вбежала после уличной игры, а другое месяцами воссоздавать точно такой же эпизод. Работа была непростой, особенно для юной Веры, но Серову все же удалось осуществить задуманное и запечатлеть этот прекрасный момент.

В. Серов «Девочка с персиками». 1887 г.


То же происходило и при работе с картиной «Девушка, освещенная солнцем», для которой модели приходилось долгие часы удерживать на лице одно и то же выражение. В итоге обе работы не только произвели огромное впечатление на зрителей и коллег по цеху, но и ознаменовали приход в Россию импрессионизма.

«Неизвестная» Крамского


Одним из самых загадочных портретов XIX века стала работа Ивана Крамского «Неизвестная». Этой картине суждено было стать популярной не только в 1880-х годах, она волновала публику в XX веке, часто висела на стенах, неоднократно печаталась в различных журналах и учебниках, и узнаваема многими сегодня.

И. Крамской. «Неизвестная». 1883 г.


Крамской представил портрет в 1883 году на выставке передвижников. Мнение публики оказалось для него столь важным, что в какой-то момент он не выдержал и ушел с выставки, не дождавшись реакции на свою картину. Когда же он вернулся, публика не просто с восторгом встретила его, но даже понесла на руках. Картина в один миг сделала художника знаменитым и стала предметом всеобщего обсуждения на долгие годы. В первую очередь зрителей поразили эмоции и сам образ изображенной девушки. В ее лице читался целый букет противоречивых чувств: это была и гордость, и некоторое презрение, и в то же время сострадание и понимание. Люди останавливались перед этим взглядом и долго всматривались в глаза девушки. В то же время вызывал недоумение и образ: с одной стороны, элегантный, с другой, дамы высшего света в те годы таких нарядов избегали. Поэтому вопрос о происхождении героини становился еще острее.


Зрители и коллеги по цеху буквально засыпали Крамского вопросами о том, кто изображен на портрете. Однако художник не изменил своей задумке (все же картина называлась «Неизвестная») и оставил все в тайне. По слухам, на картине могла быть изображена его дочь Софья, по другой версии художник нарисовал любовницу Александра II Е. Долгорукову, по третьей — крестьянку Матрену Саввишну. Ряд экспертов также склоняется к тому, что это был собирательный образ. Загадочности картине добавили и литературные произведения. Одни видели в «Неизвестной» Анну Каренину из романа Толстого, другие героиню романа «Идиот» Достоевского, а позже «Неизвестную» связывали с «Незнакомкой» из стихотворения Блока.

Портрет Лопухиной художника Боровиковского


Еще один портрет, которым восхищались не только современники Владимира Боровиковского, но и следующие поколения, посвящен Марии Лопухиной из рода Толстых. В то время, как другие живописцы старались в портрете подчеркнуть статус изображаемой героини, Боровиковский сосредоточился на женственности и мягкости. Так появился нежный образ девушки, плавные черты, а фоном выступил неброский пейзаж, подчеркивающий тонкую натуру героини. После множества вычурных портретов известных особ со множеством регалий и в парадной обстановке такой подход произвел глубокое впечатление на зрителей. Портрет долгое время хранился в семье Толстых как ценная семейная реликвия, однако в 1880-х годах Павел Третьяков увидел эту жемчужину и уговорил владельцев продать ее. Так картина попала в знаменитую Третьяковскую галерею.

В. Боровиковский. Портрет М. Лопухиной. 1797 г.


Заметим, что Боровиковский считался мастером женского портрета и создал множество прекрасных и узнаваемых работ. Некоторые из них за последние годы уходили с аукционов за внушительные суммы (об этом мы расскажем в следующем разделе).

«Бедная Лиза» Кипренского


Смещение акцента с социального статуса на эмоциональную составляющую выбрал и Орест Кипренский, когда работал над картиной «Бедная Лиза». Художник не просто так обратился к одноименному художественному произведению о девушке с трудной судьбой. Предположительно, сам он родился от внебрачной связи помещика Дьяконова и его крепостной. Так как помещик не мог признать незаконнорождённого ребенка крепостной девушки, он выдал ее замуж за другого крепостного и дал ему вольную. Художника глубоко тронула тема бесправных женщин, не имеющих возможности выражать в обществе свои чувства к возлюбленному. И это отразилось в портрете «Бедная Лиза», которую мы видим одновременно полной невыраженных чувств, желаний и глубоко печальной. Картина также попала в Третьяковскую галерею, где находится и поныне.

О. Кипренский. «Бедная Лиза». 1927 г.

Женские образы в картинах Кустодиева, Архипова и Нестерова


Некоторые русские художники не просто писали женские портреты, но и создавали целые образы отдельных слоев населения. Так, у Михаила Нестерова был свой образ женщины, который даже называли «нестеровским» типом. Пережив в молодом возрасте утрату любимой жены, художник долгие годы размышлял над образом женщины с ее бесконечной скорбью, очарованием и какой-то нескончаемой глубиной души.

М. Нестеров. «Христова невеста». 1887 г.


У Бориса Кустодиева это был образ купчихи, которую называли «кустодиевской красавицей». Это были не то что женщины, а богини, красивые, энергичные и счастливые, раскрашивающие быт купечества чаепитием, гуляниями, музыкой. Образ такой женщины помогал художнику бежать от реальности в полуразрушенной революциями России и в инвалидном кресле, с которого он не мог подняться.

Б. Кустодиев. «Купчиха за чаем». 1918 г.


У Абрама Архипова это был образ крестьянки — румяной, крепкой, в ярком платье, подчеркивающем ее жизнелюбие и энергичность в работе по хозяйству. Многим пришелся по душе такой образ женщины, которая может и революцию пережить, и создать новое общество.

А. Архипов. «Девушка с кувшином». 1927 г.

«Аленушка» Васнецова


Образ Аленушки Виктора Васнецова сегодня узнает каждый, хотя в год выхода картины коллеги по цеху встретили ее прохладно. Но художнику было не привыкать к тому, что к его холстам со сказочными персонажами в те времена относились с непониманием. По-настоящему его образы русских героев и в том числе русской девушки оценили лишь спустя время. Бесконечная печаль, чувство безнадежности в глазах Аленушки с тяжелой судьбой и сегодня глубоко трогает зрителей.

В. Васнецов. «Аленушка». 1881 г.

Портрет хористки художника Коровина


Не сразу была понята и картина «Портрет хористки» Константина Коровина. На выставке коллеги по цеху начали возмущаться, так как художник осмелился изображать девушку какими-то непонятными размашистыми мазками, да еще выбрал некрасивую модель и запечатлел ее в странной позе. В те времена приветствовались портреты в стиле реализма, поэтому картину сняли с выставки. Однако она не только стала толчком для дальнейшего интенсивного расцвета в России импрессионизма, но и была по достоинству оценена потомками.

К. Коровин. «Портрет хористки». 1883 г.

Автопортрет Серебряковой


Еще один известный женский портрет создан самим автором. Это автопортрет, который художница Зинаида Серебрякова рисовала с себя одним из зимних деньков, когда невозможно было выйти на улицу. В уютной теплой комнате художница взялась за кисть и получала удовольствие от того, что тонко прорисовывала каждую деталь на туалетном столике. Работу она писала быстро по меркам художников, возможно, именно поэтому автопортрет был так радостно встречен публикой на первой же выставке в Петербурге. Зрителей поразила свежесть портрета, очаровательная улыбка «во весь рот», светлые мягкие тона. По словам А. Бенуа, эта картина стала настоящим украшением Третьяковской галереи, куда она попала сразу с выставки.

З. Серебрякова. «За туалетом. Автопортрет». 1909 г.

Самые дорогие картины женщин известных русских художников


Теперь рассмотрим несколько женских портретов, которые уходили с крупных аукционов по самым высоким ценам в период с 2000 по 2020 годы.

Портрет Марджори Ферри художницы Тамары де Лемпицки


Интересно, что самый дорогой женский портрет тоже сделан женщиной. История его появления такова. В 1932 году в Париже выступала известная в те времена артистка кабаре. Обаятельной девушкой заинтересовался богатый предприимчивый человек, который взял ее в жены, подарил дорогое кольцо и заказал портрет у самой модной в те времена эпатажной художницы Тамары де Лемпицки. Тамара в тот период уже была хорошо известна своими чувственными портретами в жанре ню, поэтому выбор пал именно на нее. И оно того стоило, так как художница сумела представить артистку Марджори Ферри одновременно невинной и соблазнительной, не изменив при этом своему излюбленному стилю ар-деко. После продажи картина надолго осталась в семье Ферри.


На аукционах эта работа стала появляться с 1995 года, а последняя ее продажа датируется 2020 годом. Картину продали на торгах Christies за 16,3 млн фунтов или 21 млн долларов. И на сегодня это самый дорогой женский портрет русских художников.

Тамара де Лемпицка. Portrait de Marjorie Ferry. 1932 г.

Картина «Шокко» Явленского


На втором месте по ценовым рекордам находится портрет Шокко (Шокко в широкополой шляпе) Алексея Явленского. Здесь мы уже видим яркую работу в стиле экспрессионизма с характерными контрастными цветами, темными жирными контурами и широкими мазками, скрывающими от нас многие детали. Художник состоял в обществе «Синий всадник», члены которого утверждали, что форма и цвет являются самодостаточными в живописи.

А. Явленский. «Шокко (Шокко в широкополой шляпе)». Около 1910 г.


У Явленского было несколько картин, героиней которых выступала Шокко. Возможно, модель навсегда осталась бы безымянной, как и сотни других моделей известных художников, если бы не одно обстоятельство. Когда она позировала Алексею в его холодной студии, всякий раз просила для согревания дать ей чашечку горячего шоколада. Так художник прозвал ее Шокко и вписал это имя в ряд своих работ с ее участием. Как и другие живописцы, Явленский мог писать картины с обеих сторон доски. Та же участь постигла и «Шокко», с обратной стороны которой была создана картина «Шокко в красной шляпе». Однако художнику удалось разъединить обе работы и продать их разным владельцам. В 2008 году картина «Шокко» была продана на аукционе Sotheby`s за 18,6 млн долларов.

Портрет Марии Цетлиной художника Серова


Появление портрета Марии Цетлиной на аукционе Christie`s в 2014 году стало настоящей сенсацией. Как заявил руководитель русского отдела искусства Christie`s А. Тизенгаузен, это наиболее уникальная работа Валентина Серова, которую ему выпадала честь держать в своих руках за все время работы в аукционном доме. После смерти семьи Цетлинов их коллекция вместе с этим портретом перешла в музеи израильского города Рамат-Ган. Однако в связи с кризисом муниципальные власти приняли решение распродать некоторые работы, чтобы восстановить на них все музеи города. В связи с этим горожане даже устроили бунт, но это не помешало шедевру попасть на аукцион.


Мария Цетлина была женой мецената, во всем поддерживала супруга и помогала ему заниматься известным в Париже литературным салоном для русских эмигрантов. Она часто позировала художникам, и талантливый портретист Серов не упустил случая изобразить благородную женщину. Портрет выполнен в стиле модерна и характерной для него цветовой гамме одного тона. При такой концентрации на одном тоне художник максимально глубоко работал с каждым полутоном, добиваясь особой выразительности картины. С аукциона работа ушла за 9,3 млн фунтов (14,5 млн долларов).

В. Серов. Портрет Марии Цетлиной. 1910 г.

Портрет графини Л. Кушелевой художника Боровиковского


Владимир Боровиковский прославился своими сентиментальными портретами в классическом стиле. На первое место он выдвигал не сходство, а духовную составляющую человека, поэтому герои его картин выходили чувственными, красивыми и добродетельными. На одной из них художник запечатлел богатую графиню Любовь Ильиничну Кушелеву и ее сыновей.


Портрет был представлен на торгах Christie`s в 2014 году среди других пяти картин художника из коллекции потомка князя Оболенского. Все картины выставлять по скромному эстимейту 40-70 тысяч фунтов. Каково же было удивление владельцев и экспертов аукциона, когда цена продажи взлетела в десятки раз! В частности, портрет Кушелевой был продан за 3 млн фунтов (5 млн долларов).

В. Боровиковский. Портрет графини Л. Кушелевой и ее сыновей. 1803 г.

Картина «Грузинка в лечаки» художника Пиросмани


Не меньший успех на торгах ожидал и картину художника-самоучки Нико Пиросмани. В 2018 году на аукционе Sotheby`s была представлена его работа «Грузинка в лечаки» из серии картин о грузинских женщинах. В советское время эту работу приобрел известный писатель Стефан Цвейг, увидевший в Третьяковской галерее картины художника-примитивиста и сразу полюбивший его искусство. Позже работа из коллекции семьи Цвейга была передана в дар университету Колумбии, откуда и попала на торги. На аукционе ее продали за 2,2 млн фунтов стерлингов (2,8 млн долларов), а начальная цена была заявлена в диапазоне 500-700 тысяч фунтов.

Н. Пиросмани. «Грузинка в лечаки».


Хотя мы рассмотрели немало женских портретов в исполнении известных русских художников, это лишь малая часть всего того огромного наследия, которое нам подарили русские мастера. Множество прекрасных портретов женщин есть в работах А. Харламова, Н. Фешина, В. Шухаева, К. Маковского и многих других талантливых авторов.

Как с картинки: женщины на знаменитых полотнах




Как часто мы любуемся произведениями искусства, не задумываясь о том, кто на них изображен. В памяти остаются только имена монарших особ, а личность девушки, чей туманный силуэт виднеется в углу картины, остается неизвестной. О женщинах, позировавших художникам для знаменитых полотен, расскажет сегодня Diletant.media.



Голландская Мона Лиза


Знаменитая «голландская Мона Лиза», «Девушка с жемчужной сережкой» Яна Вермеера была написана около 1665. Долгое время картину называли просто «Девушка в тюрбане», свое современное название она получила лишь к XXвеку. Изображение тюрбанов на картинах стало популярным с XVвека, и Вермеер нередко использует в портретах эту деталь туалета. Вся картина написана в особом жанре «трони», которым обозначали изображение головы человека.




«Голландскую Мону Лизу» долго время называли «Девушка в тюрбане»






В соответствии с названием, взгляд зрителя привлекает большая жемчужная сережка



Согласно самой распространенной версии, считается, что для портрета Вермееру позировала его юная дочь Мария, хотя, некоторые исследователи все-таки предполагают, что это могла быть дочь покровителя художника мецената Рюйвена. Мария была одной из 15 детей Вермеера — его брак был по-настоящему счастливым. Художник любил свою жену, и часто она сама позировала ему для картин.



Мистический портрет юной Лопухиной


Потрет Марии Ивановны Лопухиной, одной из представительниц графского рода Толстых, — одна из самых известных работ русского художника Боровиковского. Он был написан в 1797 году и хранится сейчас в Третьяковской галерее.




Потрет М. И. Лопухиной — одна из самых знаменитых работ Боровиковского



Именно изображенной на портрете девушке посвятил свои стихи поэт Яков Полонский: «Она давно прошла, и нет уже тех глаз, и той улыбки нет, что молча выражали страданье — тень любви, и мысли — тень печали, но красоту её Боровиковский спас». Художник использует традиционный для портретной живописи прием — окружение персонажа предметами, помогающими его охарактеризовать. Это и черты русского пейзажа, и нежная шаль, и поникшие бутоны роз.




Потрет Лопухиной считается самым поэтичным в творчестве Боровиковского



Интересно, что портретом Марии Лопухиной долгое время пугали молодых девушек. Дело в том, что вскоре после написания картины молодая женщина в возрасте 21 года скончалась от чахотки. Многие считали, что портрет словно забрал ее жизни, и если девушки взглянут на картину, то также вскорости умрут.



Девушка с зонтиком с картин Моне


Знаменитая картина Клода Моне «Поле маков у Аржантёя» была написана в 1873 году. Это полотно появилось на выставке импрессионистов в 1874, когда они впервые заявили о себе как об отдельной группе. Две фигурки на переднем плане — это жена Моне Камила и их сын Жан.




Картина Клода Моне «Поле маков у Аржантёя» была написана в 1873 году




Рисовал Моне, по своему обычаю, на пленэре, стараясь пережать атмосферу воздушности и движение. Интересный факт, на который мало кто обращает внимания: в левом углу картины изображена еще одна похожая пара, женщина с ребенком. Между двумя парами вьется едва заметная тропинка.




На картине изображены две пары, одна из которых — жена и сын Моне



История любви Моне и Камилы была трагична: отец Моне не раз грозился лишить сына содержания, если он не расстанется со своей возлюбленной. Они подолгу жили в разлуке, но Моне не мог долго продержаться без своей семьи. Тем не менее, художник нередко просил свою жену позировать ему для картин. Мы можем увидеть Камилу и на полотне «Дама в зеленом», и среди «Женщин в саду». Также существует несколько отдельных портретов Камилы и их сына. А когда Камила скончалась, он нарисовал ее посмертный портрет, который отличается от остальных работ художника.




Моне нарисовал посмертный портрет жены под впечатлением от ее кончины






Под впечатлением от кончины любимой жены Моне нарисовал ее посмертный портрет



Актриса, очаровавшая Ренуара


Огюст Ренуар, один из известнейших художников-импрессионистов любил и умел изображать женскую красоту. Актриса Жанна Самари была его любимой моделью. Ренуар написал с нее 4 портрета, но самым известным стал «Портрет актрисы Жанны Самари». Он был написан в 1877 году и сейчас хранится в музее имени Пушкина в Москве.




Основные оттенки, используемые на портрете — розовый и зеленый



Жанна была из театральной семьи, и недолго выбирала свое поприще. Она дебютировала в театре в роле Дорины в «Тартюфе» Мольера, и слава ее стремительно росла. До своего замужества девушка часто заходила в мастерскую Ренуара и позировала ему. Правда, сеансы она посещала нерегулярно, и это злило художника. Но он был полностью очарован грацией актрисы, так что раз за разом приглашал ее стать его моделью. Но ее слава и счастье длились недолго: она скончалась в 33 года от тифа.



Танцовщица с гибкостью змеи


Знаменитый автор «Девочки с персиками» Валентин Серов, встретив в 1910 году в Париже Иду Рубинштейн, попросил ее стать моделью для нового полотна. До этого она позировала для многих художников — Кееса ван Донгена, Антонио де ла Гандара, Андре де Сегонзака, Леона Бакста, позже — для Ромейн Брукс.




Портрет Иды Рубенштейн почти сразу был выкуплен у Серова



Но именно потрет русского художника стал самым известным. Картина почти сразу же была выкуплена у автора и помещена в коллекцию Русского музея.




Дочь Серова Ольга писала, что на деле Ида была совсем не так худа, и художник намеренно ее стилизировал



Ида Рубинштейн была знаменитой русской танцовщицей и актрисой. С 1909 по 1911 выступала в составе труппы Сергея Дягилева. Рубинштейн была высокого роста, но ее грация поражала зрителей, и о ней говорили как о танцовщице «с гибкостью змеи и пластичностью женщины». Роли Клеопарты и Зобеиды стали ее звездными. После ухода от Дягилева она создала собственную труппу, в которой и выступала долгое время. А в 1921 она даже снялась в итальянском фильме «Корабль».


Автор: Екатерина Астафьева

Ожирение: рубенсовская красота превратилась в серьезную проблему со здоровьем

Croat Med J. 2017 Apr; 58(2): 89–91.

Sandor G. Vari

1 Программа международных исследований и инноваций в медицине, Медицинский центр Cedars-Sinai, Лос-Анджелес, Калифорния, США и Ассоциация регионального сотрудничества в области здравоохранения, науки и технологий (Ассоциация RECOOP HST) , Венгрия
[email protected]

1 Программа международных исследований и инноваций в медицине, Медицинский центр Cedars-Sinai, Лос-Анджелес, Калифорния, США & Ассоциация регионального сотрудничества в области здравоохранения, науки и технологий (RECOOP HST Association), Венгрия
[email protected] Copyright © 2017 Хорватский медицинский журнал. Все права защищены.

Это статья в открытом доступе, распространяемая в соответствии с лицензией Creative Commons Attribution License, которая разрешает неограниченное некоммерческое использование, распространение и воспроизведение на любом носителе при условии надлежащего цитирования оригинальной работы.

Красота и живот

Голландский художник сэр Питер Пауль Рубенс (28 июня 1577 – 30 мая 1640), самый известный художник фламандской художественной школы барокко, изучал анатомию и медицину, чтобы понять человеческое тело, и посвятил свою жизни к разделению взглядов, распространенных среди его современников.Рубенс считал, что физическая слабость может привести к духовной слабости. Он рисовал обнаженных тел и подчеркивал их физическую красоту, доброту, искушение, желание и плодородие. Его полные женщины позже были названы «рубенскими» или «рубенсовскими» (1). Его самые известные «рубенсовские» картины — «Венера, Амур, Вакх и Церера» (написаны в 1612 г.), «Амор и Венера» (1614 г.), «Венера у зеркала» (1615 г.) и «Три грации» (1635 г.). Сегодня Рубенс более известен как художник «больших» женщин, чем своими религиозными и мифологическими картинами, портретами, автопортретами и пейзажами (2).

Рубенсовский тип телосложения имеет форму яблока

Как развитые, так и развивающиеся страны страдают от ожирения или «рубенсовской» эпидемии, и мы должны противостоять ее последствиям для здоровья и экономики на местном, национальном и глобальном уровнях (3). В 2017 г. доля лиц с избыточным весом или ожирением увеличилась примерно на 10% (с 66,7% до 76,8%) у мужчин и на 9% (с 54,8% до 63,4%) у женщин по сравнению с данными за 1991–93 и 2011–2013 годы. в Великобритании (4). Избыток висцерального жира известен как центральное ожирение; живот чрезмерно выпячивается в виде «пузатого живота» или «пивного живота».Этот тип телосложения также известен как «яблокообразный», в отличие от «грушевидного», при котором жир откладывается на бедрах и ягодицах. Ученые пришли к выводу, что жир тела, а не масса тела, является ключом к оценке ожирения (5).

У здоровых людей без избыточного веса белая жировая ткань (WAT) составляет до 20% массы тела у мужчин и 25% у женщин. Бурая жировая ткань (БЖТ) содержит множественные липидные капли, сосудистую сеть высокой плотности и митохондриальные цитохромы (6).WAT и BAT имеют антагонистические функции. WAT хранит избыточную энергию в виде триглицеридов, а чрезмерный объем WAT связан с повышенным риском расстройств, связанных с ожирением. BAT специализируется на высвобождении энергии за счет выработки тепла во время адаптивного термогенеза и связана со сниженным риском расстройств, связанных с ожирением. WAT является основным компонентом абдоминального типа ожирения, в просторечии известного как брюшной жир. Внутрибрюшное ожирение, или висцеральный, или внутрибрюшной жир , представляет собой жировую ткань, отложенную вокруг органов брюшной полости и грудной клетки, в отличие от подкожного жира (расположенного под кожей) или внутримышечного жира (в скелетных мышцах) (5,7) .БЖТ в основном накапливается в медиастинальной, перикардиальной, парааортальной, межлопаточной и надключичной областях, а также вокруг почек и поджелудочной железы. БАТ снижается с увеличением массы тела и пожилым возрастом (8,9). Жировая ткань может увеличиваться во много раз во взрослом возрасте и оценивается по соотношению талии и бедер (WHR) и индексу массы тела (ИМТ).

Жировая ткань действует как орган

Накопление жировой ткани у лиц с ожирением связано с состоянием персистирующего слабовыраженного воспаления, которое, по-видимому, играет ключевую роль в патогенезе инсулинорезистентности, связанной с ожирением, диабета и сердечно-сосудистые и нейродегенеративные заболевания (10).В этом состоянии жировая ткань рассматривается уже не только как хранилище жира, но и как эндокринный орган, отвечающий за синтез и секрецию ряда гормонов. Лептин и ренин-ангиотензиновая система контролируют потребление пищи и чувствительность к инсулину. Фактор некроза опухоли α (TNF-α), интерлейкин-6 (IL-6), резистин, висфатин и адипонектин являются медиаторами воспалительного процесса, ответственными за персистирующее слабовыраженное воспаление (11).

Смертный приговор, написанный на животе

Ожирение не может быть Черной Смертью (чумной болезнью, вызванной Yersinia pestis ), тем не менее, это кризис общественного здравоохранения.Черная смерть была одной из самых разрушительных пандемий в Евразии; в период между 1346 и 1353 годами умерло от 75 до 200 миллионов человек (12,13).

Большая часть населения мира проживает в странах, где избыточный вес или ожирение уносят больше жизней, чем другие заболевания. С 1980 года ожирение во всем мире удвоилось; в 2014 г. ожирением страдали более 600 миллионов человек, т. е. 13% населения мира, и более 1,9 миллиарда взрослых имели избыточный вес, из которых 39% были в возрасте 18 лет и старше (14).

Число людей с сахарным диабетом увеличивается по мере роста распространенности ожирения. Всемирная организация здравоохранения (ВОЗ) сообщила, что число людей с сахарным диабетом увеличилось в 4 раза с 1980 по 2014 год. В 2012 году 1,5 миллиона смертей были вызваны непосредственно диабетом, а 2,2 миллиона смертей были связаны с высоким уровнем глюкозы в крови. Через десять лет диабет станет седьмой по значимости причиной смерти. По оценкам ВОЗ, в 1980 году 108 миллионов человек жили с диабетом, а в 2014 году сообщалось о 422 миллионах больных диабетом.Диабет стал глобальной проблемой, и, хотя число «рубенсианцев» быстро растет в странах с высоким уровнем дохода, мы также можем наблюдать ту же тенденцию в странах со средним и низким уровнем дохода (15). Одним из самых разрушительных последствий сахарного диабета является ампутация нижних конечностей (АНК). Развитие атеросклероза может привести к блокаде сосудов и становится необходимой ампутация конечности, поскольку реконструкция артерий не приведет к лучшему результату (16,17).

Основными осложнениями диабета являются сердечный приступ, инсульт, почечная недостаточность, слепота и нейродегенеративные заболевания.По оценкам, в 2012 году от сердечно-сосудистых заболеваний (ССЗ) умерло 17,5 миллиона человек, от ишемической болезни сердца — 7,4 миллиона человек, а от инсульта — 6,7 миллиона человек. Во всем мире от сердечно-сосудистых заболеваний ежегодно умирает больше людей, чем от любой другой причины; ССЗ являются причиной 31% смертей в мире. Три четверти смертей от ССЗ приходится на страны с низким и средним уровнем дохода (18).

Грядущая эпидемия нейродегенеративных заболеваний. Прогнозируется, что к 2025 году процент людей старше 65 лет в населении ЕС увеличится с 15.от 4% до 22,4%, что, вероятно, коррелирует с ростом заболеваемости болезнью Альцгеймера (БА), на которую приходится от половины до трех четвертей всех случаев деменции (19). Ожирение в среднем возрасте может привести к развитию болезни Альцгеймера, молчаливого убийцы нервных клеток. АтД также называют «диабетом 3 типа», потому что люди с ожирением и метаболическим синдромом (также известным как синдром резистентности к инсулину) подвержены более высокому риску развития этого заболевания (20). БА начинает незаметно повреждать мозг более чем за десять лет до появления первых симптомов.Липидные рафты являются одним из ключевых игроков в патогенезе ряда нейродегенеративных заболеваний, включая БА. Липидные рафты представляют собой платформу для белок-липидных и белок-белковых взаимодействий и играют роль в клеточной передаче сигналов. Липидные рафты ответственны за образование β-амилоидного пептида. По мере того, как «рубенсовцы» становятся старше, их мозговая ткань имеет меньше нервных клеток и синапсов по сравнению со здоровым мозгом, а между нервными клетками образуются аномальные скопления белковых фрагментов, называемых бляшками (21).

Уменьшение «рубенсовской» красоты живота и диабет

Одним из наиболее часто используемых пероральных противодиабетических препаратов для лечения инсулинорезистентного диабета является метформин. Метформин стимулирует AMP-активированную протеинкиназу (AMPK), которая ингибирует синтез липидов посредством фосфорилирования и инактивации ключевых липогенных ферментов (22). Это может уменьшить висцеральный жир, вероятно, за счет механизма, который переводит окисление жира в ВЖТ в виде избыточной энергии и активирует адаптивный термогенез в ВЖТ.Таким образом, метформин может быть хорошим кандидатом для лечения избытка калорий или возрастного ожирения (23).

Лираглутид, еще один широко используемый противодиабетический препарат при диабете 2 типа, является миметиком инкретина и помогает поджелудочной железе высвобождать нужное количество инсулина после употребления углеводов. Лираглутид также успешно используется для снижения веса при недиабетическом ожирении (24). Механизм его действия при потере веса до конца не ясен, но известно, что лираглутид ингибирует высвобождение глюкагона, снижает потребление пищи за счет раннего ощущения сытости, задерживает опорожнение желудка и снижает накопление ВЖТ за счет усиления липолиза адипоцитов (25).

«Рубенсова красота» — это не просто индивидуальная проблема. Это стало эпидемией! Необходимы новые подходы для изучения сложного происхождения ожирения и связанных с ним заболеваний, поскольку показатели ожирения продолжают расти как в развитых, так и в развивающихся странах.

Ссылки

1. Коэн Р.С. Франция Рубенса: гендер и персонификация в цикле Марии Медичи. Арт Булл. 2003; 85: 490–522. дои: 10.2307/3177384. [Перекрестная ссылка] [Академия Google]3. Узогара СГ. Эпидемия ожирения, последствия для здоровья и качества жизни: обзор.Int J Общественное здравоохранение Res. 2017; 5:1–12. [Google Академия]4. Ожирение и диабет в 2017 году: новый год [от редакции]. Ланцет. 2017;389:1. doi: 10.1016/S0140-6736(17)30004-1. [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar]5. Кэри ДГП. Абдоминальное ожирение. Карр Опин Липидол. 1998; 9:35–40. doi: 10.1097/00041433-199802000-00008. [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar]6. Saely CH, Geiger K, Drexel H. Brown против белой жировой ткани: мини-обзор. Геронтология. 2012;58:15–23. doi: 10.1159/000321319. [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar]7.Постный МЭЖ. Бурая жировая ткань у человека. Proc Nutr Soc. 1989; 48: 243–56. doi: 10.1079/PNS198

. [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar]8. Кэннон Б., Недергаард Дж. Бурая жировая ткань: функция и физиологическое значение. Physiol Rev. 2004; 84: 277–359. doi: 10.1152/physrev.00015.2003. [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar]9. Виртанен К.А., Лиделл М.Е., Орава Дж., Хеглинд М., Вестергрен Р., Ниеми Т. и соавт. Функциональная бурая жировая ткань у здоровых взрослых. N Engl J Med. 2009; 360:1518–25. doi: 10.1056/NEJMoa0808949.[PubMed] [CrossRef] [Google Scholar] 10. Трейхерн П., Вуд И.С. Адипокины: воспаление и плейотропная роль белой жировой ткани. Бр Дж Нутр. 2004; 92: 347–55. doi: 10.1079/BJN20041213. [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar] 12. Паркхилл Дж., Рен Б.В., Томсон Н.Р., Титбол Р.В., Холден М.Т., Прентис М.Б. и др. Последовательность генома Yersinia pestis, возбудителя чумы. Природа. 2001; 413: 523–7. doi: 10.1038/35097083. [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar] 13. Бос К.И., Шунеманн В.Дж., Голдинг Г.Б., Бурбано Х.А., Ваглехнер Н., Кумбс Б.К. и др.Проект генома Yersinia pestis от жертв Черной смерти. Природа. 2011; 478: 506–10. doi: 10.1038/nature10549. [Бесплатная статья PMC] [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar]16. Bild DE, Selby JV, Sinnock P, Browner WS, Braveman P, Showstack JA. Ампутация нижних конечностей у больных сахарным диабетом: эпидемиология и профилактика. Уход за диабетом. 1989; 12:24–31. doi: 10.2337/diacare.12.1.24. [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar] 17. Пандуренган К. Диабетическая стопа: оценка васкулопатии и анализ факторов риска ампутации.Международный журнал исследований в области медицинских наук. 2015;3:70–6. [Google Академия] 20. Дейли С. Воздействие болезни Альцгеймера — тихий убийца. Журнал JCCC с отличием. 2016;7:1–14. [Google Академия] 21. Хикс Д.А., Наливаева Н.Н., Тернер А.Дж. Липидные рафты и болезнь Альцгеймера: белково-липидные взаимодействия и нарушение передачи сигналов. Фронт Физиол. 2012;3:189. doi: 10.3389/fphys.2012.00189. [Бесплатная статья PMC] [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar]22. Хортон Д.Д., Гольдштейн Д.Л., Браун М.С. SREBP: активаторы полной программы синтеза холестерина и жирных кислот в печени.Джей Клин Инвест. 2002; 109:1125–31. doi: 10.1172/JCI0215593. [Бесплатная статья PMC] [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar]23. Аструп А., Карраро Р., Файнер Н., Харпер А., Кунесова М., Лин М.Е. и др. Безопасность, переносимость и устойчивая потеря веса в течение 2 лет при приеме один раз в день аналога человеческого ГПП-1, лираглутида. Int J Obes (Лондон) 2012; 36: 843–54. doi: 10.1038/ijo.2011.158. [Бесплатная статья PMC] [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar]24. Якобеллис Г., Мохсени М., Бьянко С.Д., Банга П.К. Лираглутид вызывает сильное и быстрое уменьшение эпикардиального жира.Ожирение (Серебряная весна) 2017; 25: 311–6. doi: 10.1002/oby.21718. [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar] 25. Ishii H, Niiya T, Ono Y, Inaba N, Jinnouchi H, Watada H. Улучшение качества жизни за счет гликемического контроля с помощью лираглутида, аналога GLP-1, у пациентов с сахарным диабетом 2 типа, ранее не получавших инсулин: исследование PAGE1. Диабетол Метаб Синдр. 2017;9:3–10. doi: 10.1186/s13098-016-0202-0. [ЧВК бесплатная статья] [PubMed] [CrossRef] [Google Scholar]

Какой форме женского тела отдавали предпочтение в средневековой Европе?

Один из моментов, который неоднократно упоминался в критике этого сайта, заключается в том, что стандарты красоты сильно колеблются, например, в средневековой Европе предпочитали полных женщин.Почти все обращают внимание на картины Питера Пауля Рубенса с изображением полных женщин. Что средневековые европейцы предпочитали в женских образах?

В средневековой Европе нет контролируемых лабораторных исследований, которые помогли бы ответить на этот вопрос. Так люди смотрят на искусство. Однако, когда христианство взяло верх над Европой, художественное творчество и продукция пошли насмарку. Небольшое искусство, которое могло процветать, должно было изображать библейские темы. Таким образом, доступное искусство в основном относится к эпохе Возрождения.Разве те, кто продолжает упоминать Рубенса, не слышали о других художниках? Вот известная картина Сандро Боттичелли.

Рождение Венеры Сандро Боттичелли (Флоренция; картина 1482–1486).

Венера Боттичелли не имеет избыточного веса или ожирения. Далее посмотрите на некоторые работы Лукаса Кранаха Старшего.

По часовой стрелке сверху слева: Адам и Ева в раю, Венера и две версии Суд Париса Лукаса Кранаха Старшего (Саксония; жил 1472–1553).

Что говорят нам произведения искусства Кранаха о его предпочтениях или предпочтениях его времени? Обратите внимание на полноватую Еву, девичий торс Венеры, а также на Геру, Афину и Афродиту, изображенные как стройные женщины. Откуда мы знаем, представляли ли его нарисованные женщины его предпочтения или предпочтения его народа/времени? Далее рассмотрим некоторые картины Питера Пауля Рубенса.

Венера в зеркале и две версии Суд Париса Питера Пауля Рубенса (Фландрия; жил 1577–1640).

Полные и тучные женщины точно, но Рубенс также придумал изображение предположительно не полной маркизы Бригиды Спинола-Дориа. Почему женщины Рубенса приводятся в качестве примера предпочтений средневековых европейцев в отношении массы тела? Боттичелли, Кранах и Рубенс принадлежали к близкородственным германским популяциям, и их не разделяло большое количество времени. Если бы их женщины представляли общественные предпочтения, что могло бы вызвать такие различия в близкородственных культурах на протяжении нескольких поколений? Далее посмотрите на еще одну известную картину Франсиско де Гойи.

La maja desnuda (Обнаженная маха) Франсиско де Гойи (Испания; картина 1797–1800 гг.).

Гойя был вызван испанской инквизицией, чтобы объяснить, кто заказал «непристойное» искусство. Я не знаю, что им сказал Гойя, но он потерял работу испанского придворного художника, и это было еще в начале 19 века, правда, в Южной Европе. Обнаженная маха Гойи близка к современному эротическому пинап-искусству/фотографии и представляет собой тип искусства, который, скорее всего, отражает предпочтения художника или его современников, но не изображает женщину с избыточным весом.Каковы были шансы художника придумать что-то подобное, когда правила церковь?

Конечно, следует быть осторожным в выводах об общественных предпочтениях по средневековым картинам, но, говоря о влиянии христианства, угадайте, что христианство говорит о чревоугодии? Это грех. Так почему же большинство христианского населения благосклонно относится к наиболее очевидным признакам чревоугодия, а именно к лишнему весу? Тщательное изучение показывает, что избыток жира в организме в средневековой Европе считался стигматизированным.От Stunkard et al.: (1, pdf)

Было высказано предположение, что сегодняшние суровые суждения о тучных людях на Западе являются современным развитием и что в более раннюю, более просвещенную эпоху полнота высоко ценилась. В поддержку этой точки зрения часто цитируются картины таких художников, как Рубенс и Ренуар, с изображением полных женщин. Но произведения этих художников могут больше рассказать нам об интересах их покровителей, чем о народных взглядах. Когда мы обращаемся к этим установкам, возникает другая, менее лестная картина, где ключевой чертой является чревоугодие.В своем послании к филиппийцам Павел осуждал «врагов креста Христова, чей конец — погибель, чей бог во чреве их». Это послание послужило основой для классического определения чревоугодия, которое приобрело выдающееся значение в христианской мысли. Тертуллиан в третьем веке приписал поедание Адамом яблока чревоугодию, которому он отводил столь же важную роль в грехопадении, как и более распространенному в настоящее время греху гордыни. И Августин в пятом веке, и Григорий I в седьмом веке включили чревоугодие в свое развивающееся определение семи смертных грехов.Отражая редкость ожирения, чревоугодие не было связано с ним в этот период, но были созданы условия для такой связи, когда стало доступно достаточно еды.

К 15 веку у Иеронима Босха было достаточно еды, чтобы связать чревоугодие и ожирение в своем портрете «Семь смертных грехов», графическом аналоге японского «Свитка болезней». Картина имеет форму большого круга с семью панелями, исходящими из малого круга, представляющего глаз Бога, от которого не скроется ни один грех.Каждая панель посвящена одному из семи смертных грехов, конкретно изображенных в сценах повседневной жизни. Представление грехов в одном и том же произведении искусства отражает мнение о том, что они были проступками, легко ведущими от одного к другому, западный взгляд на нисходящую траекторию морального падения, воплощенный в истории японской толстухи.

Светская литература того времени продолжала богословскую озабоченность обжорством, и как в «Рассказе о помиловании» Чосера, так и в «Докторе Фаусте» Марло оно продолжало рассматриваться как причина греха Адама.Но именно Шекспир наиболее четко связал чревоугодие, ожирение и стигматизацию.

‘Фальстаф: Из вас получаются толстые негодяи, Госпожа Кукла.

Кукла: Я их делаю! Чревоугодие и болезни делают их».

Шекспир более чем красноречиво говорил о стигматизации, а Фальстаф подвергался критике как «. . . мошенник с толстыми почками. . . жирные кишки. . . конный брейкер. . . огромный холм жира. . . вздутие водянки. . . набитый плащ-мешок с кишками. . .жареного быка с пудингом в брюхе. . .’

Картина «Семь смертных грехов» показана ниже.

«Семь смертных грехов и четыре последних дела» Иеронима Босха (Нидерланды; 1485 г.). Четыре последние вещи, по часовой стрелке сверху слева: смерть, суд, рай и ад. Семь смертных грехов, по часовой стрелке снизу: гнев, зависть, жадность, чревоугодие, лень, расточительность (похоть) и гордыня.

Те, кто трубят о женщинах Рубенса, должны спросить себя, почему в значительной степени соблюдающее христианское население высоко ценит состояние, которое является результатом смертного греха и делает грешника адским? И попробуйте подумать о средневековых отношениях.Нынешние христианские взгляды иные. Америка погрязла в обжорстве, но духовенство не осуждает его; количество тучных христиан, посещающих церковь, — это зрелище; и иногда духовенство тучно, но прихожане без проблем управляются тем, кто зарезервировал себе место в аду.

Предпочтения средневековых европейцев в отношении женской формы лица/тела, скорее всего, были аналогичны предпочтениям современных европейцев, что было выявлено в контролируемых лабораторных исследованиях, а не в наблюдениях, таких как внешний вид моделей высокой моды.

Затем у нас также есть следующее от Singh et al.: (2, pdf)

Теория выбора партнера «хороший ген» предполагает, что все люди имеют общие развитые психические механизмы, которые определяют определенные части тела женщины как индикаторы фертильности и здоровья. Поэтому изображение женской красоты во времени и культуре должно подчеркивать физические черты, свидетельствующие о здоровье и плодовитости. Абдоминальное ожирение, измеряемое размером талии, надежно связано со снижением уровня эстрогена, снижением плодовитости и повышенным риском основных заболеваний.Систематические поиски в британской литературе шестнадцатого, семнадцатого и восемнадцатого веков показывают, что узкая талия постоянно описывается как красивая. В произведениях древнеиндийской и китайской литературы женская привлекательность также ассоциируется с узкой талией. Даже не пользуясь современными медицинскими знаниями, как британские, так и азиатские писатели интуитивно знали биологическую связь между здоровьем и красотой.

Авторы обнаружили несколько упоминаний о пухлых женщинах в романтическом контексте, но ни в одном из них не упоминалась увеличенная талия.Таким образом, у нас есть некоторые свидетельства того, что в период с 16 по 18 века в Британии обычно не предпочитали женщин с избыточным весом, но недостаток статьи Singh et al. иллюстрируется следующими выдержками: (2)

Если универсальные психические механизмы, приравнивающие плодовитость и здоровье к женской красоте, действительно развились, то художники и писатели в прошлом и настоящем обществах должны описывать узкие талии как красивые.

Тот факт, что авторы называют маленькую талию красивой, предполагает, что эта часть тела — известный показатель здоровья и плодовитости — является основной чертой женской красоты, которая выходит за рамки этнических морфологических различий и культур.Наше исследование показывает, что, несмотря на различия в описании красоты, маркер здоровья и плодовитости — тонкая талия — всегда был неизменным символом женской красоты.

Существуют культуры, ни одна из которых не рассматривалась Сингхом и др., где пухлые женщины считаются привлекательными, как в некоторых африканских (3, pdf) и тихоокеанских (4, ссылка) популяциях. Когда желательна полнота женщины, предпочтительная форма, по-видимому, чаще включает в себя бедра, более широкие, чем талия при виде спереди, а не тело в форме яблока, но в любом случае талия не может быть описана как маленькая, учитывая предпочтительную женскую массу.

Итак, я считаю, что проблема средневековой Европы решена. Тем, кто пытается затронуть кросс-культурные проблемы, связанные с неевропейскими обществами, для критики этого сайта, следует ознакомиться с основным описанием кросс-культурных проблем здесь. И я не закончил с историческими и кросс-культурными вопросами; больше позже.

Ссылки   

  1. Stunkard, A.J., LaFleur, W.R., и Wadden, T.A., Стигматизация ожирения в средние века: Азия и Европа, Int J Obes Relat Metab Disord, 22 , 1141 (1998).
  2. Сингх Д., Ренн П. и Сингх А. Повлияли ли опасности абдоминального ожирения на изображение женской красоты в британской литературе шестнадцатого-восемнадцатого веков? Изучение связи здоровья и красоты, Proc Biol Sci, 274 , 891 (2007).
  3. Ргиби, М., и Белахсен, Р., Практика откорма среди марокканских сахарских женщин, East Mediterr Health J, 12 , 619 (2006).
  4. Поллок, Нью-Джерси, Культурные исследования ожирения – практика откорма в тихоокеанских обществах, Asia Pacific J Clin Nutr, 4 , 357 (1995).

Санкционная политика — наши внутренние правила

Эта политика является частью наших Условий использования. Используя любой из наших Сервисов, вы соглашаетесь с этой политикой и нашими Условиями использования.

Как глобальная компания, базирующаяся в США и осуществляющая деятельность в других странах, Etsy должна соблюдать экономические санкции и торговые ограничения, включая, помимо прочего, те, которые введены Управлением по контролю за иностранными активами («OFAC») Департамента США. казначейства. Это означает, что Etsy или любое другое лицо, использующее наши Сервисы, не может принимать участие в транзакциях, в которых участвуют определенные люди, места или предметы, происходящие из определенных мест, как это определено такими агентствами, как OFAC, в дополнение к торговым ограничениям, налагаемым соответствующими законами и правилами.

Эта политика распространяется на всех, кто пользуется нашими Услугами, независимо от их местонахождения. Ознакомление с этими ограничениями зависит от вас.

Например, эти ограничения обычно запрещают, но не ограничиваются транзакциями, включающими:

  1. Определенные географические области, такие как Крым, Куба, Иран, Северная Корея, Сирия, Россия, Беларусь, Донецкая Народная Республика («ДНР») и Луганская Народная Республика («ЛНР») области Украины, или любое физическое или юридическое лицо, работающее или проживающее в этих местах;
  2. Физические или юридические лица, указанные в санкционных списках, таких как Список особо обозначенных граждан (SDN) OFAC или Список иностранных лиц, уклоняющихся от санкций (FSE);
  3. Граждане Кубы, независимо от местонахождения, если не установлено гражданство или постоянное место жительства за пределами Кубы; и
  4. Предметы, происходящие из регионов, включая Кубу, Северную Корею, Иран или Крым, за исключением информационных материалов, таких как публикации, фильмы, плакаты, грампластинки, фотографии, кассеты, компакт-диски и некоторые произведения искусства.
  5. Любые товары, услуги или технологии из ДНР и ЛНР, за исключением соответствующих информационных материалов, и сельскохозяйственных товаров, таких как продукты питания для людей, семена продовольственных культур или удобрения.
  6. Ввоз в США следующих товаров российского происхождения: рыбы, морепродуктов, непромышленных алмазов и любых других товаров, время от времени определяемых министром торговли США.
  7. Вывоз из США или лицом США предметов роскоши и других предметов, которые могут быть определены США.S. Министр торговли, любому лицу, находящемуся в России или Беларуси. Список и описание «предметов роскоши» можно найти в Приложении № 5 к Части 746 Федерального реестра.
  8. Товары, происходящие из-за пределов США, на которые распространяется действие Закона США о тарифах или связанных с ним законов, запрещающих использование принудительного труда.

Чтобы защитить наше сообщество и рынок, Etsy принимает меры для обеспечения соблюдения программ санкций. Например, Etsy запрещает участникам использовать свои учетные записи в определенных географических точках.Если у нас есть основания полагать, что вы используете свою учетную запись из санкционированного места, такого как любое из мест, перечисленных выше, или иным образом нарушаете какие-либо экономические санкции или торговые ограничения, мы можем приостановить или прекратить использование вами наших Услуг. Участникам, как правило, не разрешается размещать, покупать или продавать товары, происходящие из санкционированных районов. Сюда входят предметы, которые были выпущены до введения санкций, поскольку у нас нет возможности проверить, когда они были действительно удалены из места с ограниченным доступом. Etsy оставляет за собой право запросить у продавцов дополнительную информацию, раскрыть страну происхождения товара в списке или предпринять другие шаги для выполнения обязательств по соблюдению.Мы можем отключить списки или отменить транзакции, которые представляют риск нарушения этой политики.

В дополнение к соблюдению OFAC и применимых местных законов, члены Etsy должны знать, что в других странах могут быть свои собственные торговые ограничения и что некоторые товары могут быть запрещены к экспорту или импорту в соответствии с международными законами. Вам следует ознакомиться с законами любой юрисдикции, когда в сделке участвуют международные стороны.

Наконец, члены Etsy должны знать, что сторонние платежные системы, такие как PayPal, могут независимо контролировать транзакции на предмет соблюдения санкций и могут блокировать транзакции в рамках своих собственных программ соответствия.Etsy не имеет полномочий или контроля над независимым принятием решений этими поставщиками.

Экономические санкции и торговые ограничения, применимые к использованию вами Услуг, могут быть изменены, поэтому участники должны регулярно проверять ресурсы по санкциям. Для получения юридической консультации обратитесь к квалифицированному специалисту.

Ресурсы:
Министерство финансов США; Бюро промышленности и безопасности Министерства торговли США; Государственный департамент США; Европейская комиссия

Последнее обновление: 18 марта 2022 г.

Что эти древние статуэтки тучных людей говорят о палеодиетах

Заполнитель во время загрузки статьи

Жир вздымается и скапливается вокруг пупка.Плоть растекается по тазовым костям. Бедра слиты.

Давно прославляемая как одно из старейших известных произведений искусства, «Венера Виллендорфская» вызывает чувство удивления: как скульптору каменного века удалось передать тучность, которая была такой реалистичной?

В то время как другие древние артефакты представляют собой простые фигурки из палочек или стилизованные изображения, Венера Виллендорфская, которой, как полагают, более 28 000 лет, дает людям ощущение, что она была нарисована из реальной жизни. То же самое можно сказать и о других фигурках тучных женщин, обнаруженных в палеолитических стоянках.

«Она обладает совершенно неформализованной жизненной силой», — написала археолог и историк Нэнси Сандарс в своей книге « Доисторическое искусство в Европе Венеры Виллендорфской». «Она не производит на нас впечатление абстракцией, идеей или идеалом женщины и плодородия; скорее, несмотря на безликость и грубое преувеличение, чувствуется, что это настоящая женщина».

В эпоху, когда бесчисленные сторонники «палео» диеты утверждают, что палеолитический образ жизни был оптимизирован для здоровья человека, стоит задаться вопросом, о чем говорят нам эти статуэтки: могли ли некоторые из «пещерных людей» быть толстыми?

Правда, никто не знает, зачем были вырезаны эти изображения.Были ли они связаны с богами плодородия или верованиями, как предполагают некоторые? Надежда на обильную еду? Или они, как предполагают некоторые, форма палеопорно? Ответы пока кажутся предметом спекуляций. Но какова бы ни была цель фигурок, их анатомическая правильность указывает на то, что скульпторы должны были видеть толстых людей, говорят некоторые специалисты, имея в виду, что ожирение было известно палеолитическим народам, какой бы суровой ни была их жизнь в целом.

Венера Виллендорфская «говорит нам, что ожирение было проблемой человека в течение очень долгого времени», — сказал Джордж Брей, почетный профессор Пеннингтонского центра биомедицинских исследований Университета штата Луизиана, эксперт, написавший на эту тему.

«Фигурки, безусловно, основаны на реальной морфологии тела. Они анатомически точны и не имеют никакого сходства с беременными женщинами», — сказал Дэвид Хаслам, британский врач и председатель Национального форума по ожирению, профессиональной организации. Он писал об артефактах. «Подобные статуэтки существуют на Мальте, в Израиле и по всей Европе, что доказывает, что ожирение существовало в древности».

Другие врачи утверждали, что маловероятно, чтобы люди эпохи палеолита могли растолстеть: пищи было слишком мало, жизнь была слишком требовательной, и, кроме того, большинство из них не жили достаточно долго, чтобы распространиться средний возраст.

«Несколько аргументов предполагают, что ожирение должно было быть чрезвычайно редким явлением, если оно вообще существовало, в доисторические времена», — написал Эрик Колман, врач FDA.

Но распространенность ожирения в значительной степени является предметом спекуляций, и Колман признал, что мы «не можем сбрасывать со счетов существование единичного случая ожирения» из-за болезни.

Хаслам также предполагает, что палео-ожирение было «редким», особенно в отличие от сегодняшних США и Великобритании, где «оно присутствует в масштабах эпидемии.

Что кажется ясным, однако, так это то, что скульпторы каменного века довольно часто обращались к изображению полных людей. В статье 2011 года венгерский патологоанатом Ласло Джожа рассмотрел 97 идолов женского пола из верхнего палеолита и обнаружил, что 24 из них были худыми — и в основном

«Венера Виллендорфская не уникальна — они были найдены в Западной Европе и в России — они были найдены в Западной Европе и в России — это был далеко идущий явление», — сказал Брей.«Насколько распространено ожирение — мы понятия не имеем. Но оно было».

[Что настоящая ДНК «пещерного человека» говорит о палео-движении]

Анализ обнаженной феминистки в работах Дженни Сэвилл | Марилия Кайсар | Мудрые вещи, я когда-то написала

Вычитано из диссертации «Три аспекта феминистской обнаженной натуры» (первоначально называвшейся: Τρείς εκδοχές του φεμινιστικού γυμνού), Глава 7C: Анализ работы Дженни Сэвилль, с. .104–125

«Что такое красота? Красота – это обычно мужской образ женского тела. Мои женщины прекрасны в своей индивидуальности».

Дженни Сэвилл

Дженни Сэвилл – всемирно известная современная художница, получившая известность благодаря своим картинам, на которых изображено человеческое тело, обычно женское, без желания походить на традиционные аспекты красоты и женственности. На самом деле, большинство ее обнаженных тел представляют женщин с избыточным весом или синяками.Она описывает себя как феминистку.

Сэвилл родилась в Кембридже в 1970-х годах и была одной из четырех детей в семье. Она с раннего детства знала, что хочет стать художницей. Родители поощряли ее творчество и позволяли ей иметь личное пространство для рисования, ей была предоставлена ​​студия. Ее дядя, профессор истории искусств, помог ей развить технические навыки и научил наблюдать за окружающим миром. Она училась в Школе искусств Глазго, учебном заведении, которое познакомило ее с принципами работы художника.Это было хорошим началом, чтобы заняться рисованием с натуры, потому что студенты часто работали с обнаженными моделями. 2 Ее академические занятия давали ей форму свободы, обучая ее основным принципам, а позже она получила возможность деконструировать. В Глазго она получила множество наград, а также стипендию Университета Цинциннати. Именно там она впервые встретила тучных женщин. Они послужили источником вдохновения для ее выпускной выставки в 1992 году и привели к ее одержимости человеческой плотью.

Ближе к концу учебы коллекционер произведений искусства Саатчи купил все ее работы с выпускной выставки. Он предложил ей восемнадцатимесячный контракт, который поддержал ее в финансовом отношении, пока она создавала новые картины, которые позже выставляла в галерее Саатчи в Лондоне. Вскоре Савиль стала известна публике тем, что воссоздала искусство с помощью классических представлений о живописи, особенно ее обнаженные женские тела в большом масштабе. В то время она также получила награду Young British Artist (YBA). Сюжеты ее искусства — тучные и часто безликие женщины с огромными телами, вдохновленные ее путешествиями по Америке.Они привлекли ее внимание своим контрастом с современными идеалами красоты. Ее работы обычно включают в себя огромные куски искаженной плоти, нарисованные масляной краской. После ее дебюта в 1992 году ее работа по-прежнему сосредоточена на женском теле, но она часто имеет дело с людьми, которые находятся между полами или транссексуалами. Ее опубликованные зарисовки и записи включают фотографии операций липосакции, пациентов с травмами, пластических операций по исправлению уродства, а также пациентов-транссексуалов и их операций.3

Сегодня Дженни Сэвилл — одна из самых талантливых и перспективных художниц 21 века, которая работает и живет в Лондоне, где преподает живопись в Slade School of Art, успешно делясь и учась у своих учеников. С тех пор, как в искусство вошли новые технологии, а художники открыли для себя инновационные мультимедийные способы изображения искусства, Сэвилл присоединился к новому открытию понятий классического бодиарта, переопределив его место в истории современного искусства.4

Branded (1992)

Здесь Дженни Сэвилл рисует свое лицо в теле женщины с избыточным весом. В «Заклейменном» мы видим противоречие между ментальными конструкциями человека и физическими формами. Положение женщины на картине искажено, она слишком короткая, так что размеры ее бедер и области живота нереальны, а грудь и туловище кажутся огромными. В то же время поза более естественна и расслаблена по сравнению с позицией профессиональной модели.На корпусе выгравированы разные слова красным цветом. Слова «заклейменный», «поддерживающий», «декоративный» раскрывают социальные позиции, которые часто возлагаются на женщин, неестественные, но в то же время такие конкретные, что физически клеймят женщин навсегда. Субъект сжимает избыточный живот, как бы наблюдая за ним, рассматривая его как кусок мяса или жира, которого там быть не должно. Она отворачивает голову от себя и слов, которые на ней выгравированы.

Ее работу часто сравнивают с работой Джо Спенс «Заклейменный», поскольку в ней используется та же риторическая практика со словами, обозначающими отвратительное женское тело.Элисон Роули сообщает, что многие были оскорблены работой Сэвилла и сочли ее попытку сослаться на работу Спенс чрезмерно смелой, поскольку сама Джо Спенс написала на своем собственном больном пожилом теле слово «Монстр» в попытке защитить себя и осудить свою аудиторию. Это факт, что оба произведения искусства отметили историю феминистских художественных практик. Оба основаны на самоанализе в качестве отправной точки, чтобы иметь отношение к таким вопросам, как телесные и физические атрибуты женщин. 5

План (1993)

В «Плане» мы видим женщину, покрытую красными отметинами липосакции.Женщина смотрит вниз, как бы считывая свой вес на весах, но в то же время ее взгляд встречается с глазами зрителей. Ее груди тяжелые и большие, и ей приходится поднимать их руками, чтобы наблюдать за всем своим телом. Точка зрения создает преувеличенный эффект, особенно в отношении размера ее бедер. Картина передает ощущение наблюдения за кем-то, кто обречен постоянно сравнивать свое тело с идеалами красоты, которые постоянно проецируются средствами массовой информации. Возможно, эта женщина считает себя толще, чем есть на самом деле.6 Как и большинство картин Дженни Сэвилл, эта работа в какой-то степени является автопортретом, поскольку она использует собственное лицо на теле, отчасти чужом, но в то же время и собственном. Линии липосакции напоминают контурные линии на ландшафтной карте, создавая естественный эффект: так же, как эти карты являются конструкциями человеческого разума, пытающимися регулировать природный ландшафт. Женское тело сравнивают со свободной природой, а линии липосакции символизируют попытку изменить свое изначальное физическое состояние.Линии обозначают точки надрезов во время хирургической процедуры и одновременно отображают физическое тело женщины в зависимости от областей скопления жира. Эти линии напоминают хирургические срезы, но также создают впечатление рассечения картины. 7

След (1993–1994)

В ее работе «След» мы видим следы дня на женском теле. Видны следы, которые остались от трусиков, лифчика и одежды. В этих следах есть брутальность, представляющая борьбу тугого эластичного нижнего белья с человеческой кожей.Изображение подразумевает, что эта женщина пытается влезть в одежду, которая слишком мала для нее, хотя линия на ее спине указывает на то, что ее бюстгальтер был плохим, по крайней мере, на размер больше, чем ей нужно. Эти отметины такие же, как у каждой женщины, когда она снимает одежду в конце дня. В картине преобладает чувство боли. По положению плеч есть подозрение, что эта женщина недовольна своим телом, а цветовая палитра изображает ушибленную внешность, не то чтобы физическую, а метафорическую.8Так же, как и на картине «План», это женщина, которая не воспринимает свое тело таким, какое оно есть на самом деле.

Матери (2011)

На этой картине мы видим саму Сэвилл сразу после рождения детей, держащую двух младенцев на руках и живот после беременности. Эскизы вокруг картины показывают различные реальности, которые сосуществуют в картине. Сама она заявляет в интервью The Guardian, что пока она рисовала, ее дети росли, и картина росла и трансформировалась вместе с ними.Контраст, который один эскиз создает с другим, представляет собой разрыв между реальностью и миром картины, движение между памятью и образом. Ее более поздние работы вдохновлены опытом материнства. Она чувствует необходимость работать, но в то же время вдохновляется тем, как рисуют ее дети, и воплощает это вдохновение в своих работах. Она особенно вдохновлена ​​процессом родов, используя фотографии с процедуры и собственный опыт. 9

Значение женской обнаженной натуры в ее работах

Все работы Дженни Сэвилл сконцентрированы в одной точке, плоть и обнаженное тело освобождены от одежды, которая одевает и защищает.При этом ее работы нередко напоминают поход в мясную лавку, а не картинки из среднестатистического журнала Playboy. Ее работа как нельзя более далека от идеальных женских тел, представленных мужским миром, но в то же время она вводит нас в неопределимое пространство между гордостью и гротеском. Ее работа — это брак между жестоким женоненавистничеством Виллема де Кунинга и постоянным голодом Люсьена Фрейда с феминистским оттенком.Обнаженная натура в его работе «Благосмотритель, спящий» изображает интересными линиями обнаженную плоть. Положение фигуры в мастерской добавляет сущности естественного веса и размера фигуры, оставаясь при этом традиционной картиной с усиленным на ней мужским взглядом. женская обнаженная натура. Картины Сэвилл в определенной степени основаны на технических аспектах творчества Фрейда, которые Сэвилл изучала во время учебы в университете, но они включают в себя аспект самоанализа и одновременно демонстрируют тщательный анализ человеческой плоти.Хотя оба художника разделяют одни и те же темы, Сэвилл расширяет их до новых феминистских границ.

Картины Сэвилла огромны, их высота часто превышает три метра, и они покрыты крупными обнаженными женщинами. Сама она никогда не видит их законченными, пока они не выставлены на стенах галереи. Как она утверждает в своих интервью, она часто использует зеркала и фотографию при завершении картины. Она много фотографирует себя, черпая информацию о человеческом теле из любых доступных источников.Помимо собственных фотографий, она использует фотографии тел своих друзей, а также медицинские книги. Она никогда не фотографирует все тело, а фокусирует разные части по отдельности. Поскольку она работает в более крупном масштабе, она никогда не смотрит на всю фигуру, а больше сосредотачивается на деталях. Концентрируясь на разных частях картины, она постепенно объединяет их друг с другом в единое целое. Она утверждает, что не может рисовать на холстах меньшего размера или в блокнотах, если только не делает детали или увеличение.Она никогда не делает набросков перед тем, как раскрасить холст, а создает всю картину с нуля красками. Она позволяет в своей работе использовать зеркала, чтобы воспринимать всю свою работу как единое целое. Она работает на строительных лесах, чтобы покрыть все поверхности картины. Поместив зеркала под картину и вокруг нее, ей не нужно все время перемещаться со своего места, чтобы что-то увидеть. Она часто рисует в парадной одежде, но иногда ей приходится работать обнаженной, чтобы она могла легко использовать свое тело для любых деталей, которые ей могут понадобиться для точного изображения, таких как физические особенности кожи, плоти, лобковых волос и их. различные текстуры.

Это ее собственное лицо и тело, которые она использует в большинстве своих картин, хотя на первый взгляд они кажутся другими из-за перспективы. Сама она говорит: «Женщины обычно берут на себя только роль модели. Я и художник, и модель. Я тоже зритель, поэтому у меня три роли».11. Работая в основном со своим белым телом, она заново изобретает социально-экономические отношения между художником и моделью. Ее студия больше не место односторонних сделок, а пространство самоанализа.Благодаря своей работе ей удается реконструировать мнение западной цивилизации о теле художника. Представленное тело больше не объективированное женское тело, а энергичное динамическое женское тело, которое исследуется посредством самоанализа и рисования. В своем интервью она утверждает: «Я рисую женщин такими, какими большинство женщин видят себя. Я пытаюсь уловить их личность, их кожу, их волосы, их жар, их дырявость. У меня действительно есть ощущение женской плоти, что что-то просачивается наружу. Большая часть нашей плоти синяя, как мясо у мясника.В истории волосы на лобке всегда были идеальными, окрашенными мужчинами. В реальной жизни он перемещается вверх по животу или вниз по ногам».12

В эпоху физических упражнений и диет, когда главная цель и идеал тела — быть стройными, многие женщины недовольны своим лишним весом. и стыдятся своего тела. Риторика, которая используется против ожирения, часто бывает более резкой и заставляет казаться хуже, чем алкоголь и курение, хотя они и приводят к серьезным последствиям. Савиль рисует не крупных отвратительных женщин, а женщин, которые считают себя толстыми и отвратительными и воображают, что их бедра переполнены.13 Ее фигуры не помещены в какую-то обстановку или комнату. Это плоть, а сама картина — это тело, но теория, стоящая за каждой частью ее работы, так же важна, как и сама картина. Своими работами она пытается создать новый идеал красоты. Красота, как правило, мужское отношение к женскому телу. Женщины Сэвилла прекрасны благодаря своей индивидуальности, но социальные структуры убеждают их презирать собственное тело. Она представляет в своих картинах нечто среднее между реальностью и восприятием женщин, когда они рассматривают свое тело в зеркале и сравнивают его на своих весах.Сама она говорит, что есть напряжение в том, как люди смотрят на себя в зеркало. Тогда они принимают больше выражений. Перед зеркалом люди делают то, чего никогда бы не сделали публично. Они узнают определенный образ себя, когда смотрят в зеркало. 13 Это напряжение она пытается передать в своих картинах, как человек смотрит на себя в зеркало, чувствуя себя ущербным. Это единственный раз, когда люди могут посмотреть на себя вне любого другого контекста.

Говорят, что ее картины вызывают беспокойство и их нельзя использовать в качестве домашнего украшения.Но сама она заявляла в своих интервью, что создала их не с этой идеей, а для того, чтобы их выставляли для публики на площадках, открытых для как можно большего числа зрителей, где люди могли бы с ними общаться14. Большинство работ Сэвилла , представляют собой постоянную борьбу между женским телом и идеалами тела, которые современная поп-культура пытается навязать ему. Благодаря своей работе Сэвилл создает новое идеальное женское тело, которое отличается от всех идеалов культуры, в которой доминируют мужчины, и представляет ее собственное женское мнение и эстетику, а также то, как женщина смотрит на себя через мир, полный сексуальных стандартов.

Библиография и ссылки

1. Дэвис, (1994), Из интервью с художницей: Это Дженни, и это ее План: Мужчины изображают женскую красоту в стереотипах; Дженни Сэвилл рисует его таким, какой он есть. И Чарльз Саатчи платит ей за то, чтобы она продолжала это делать. В журнале: The Indepentent

2. Cooke, (2012), Из интервью с художницей: Дженни Сэвилл: «Я хочу быть художником современной жизни и современных тел», В журнале: The Observer

3.Кук, (2012), Из интервью с художницей (см. № 2)

4. Роули, (1996) О просмотре трех картин Дженни Сэвилл: переосмысление феминистской практики рисования, стр. 91

5. Дэвис, (1994), Из интервью с художницей (см. номер 1)

6. Рекитт, Фелан (ред.) (2001), Искусство и феминизм, стр. 186–187

7. Вторичное исследование, ( 2012), След Дженни Сэвилл?, онлайн-статья

8. Кук, (2012), Из интервью с художницей (см.2,3)

9. Роули, (1996) О просмотре трех картин Дженни Сэвилл: переосмысление феминистской практики живописи, с.95

10. Дэвис, (1994), Из интервью с художницей (см. n.1,5)

11. Дэвис, (1994), Из интервью с художником (см. n.1,5,10)

12. Дэвис, (1994), Из интервью с художником ( см. № 1,5,10,11)

13. Сильвестр, Д., (1994) Из интервью с художником под названием: Области плоти, В журнале: The Independent

14.Фрэнк, П., (2012) Дженни Сэвилл в Оксфорде современного искусства: ее первая персональная выставка в публичной галерее Великобритании, в журнале: The Huffington Post

10 толстых визуальных художников, которых вы должны проверить

Репрезентация имеет значение. Один из первых раз, когда я когда-либо видел или слышал о положительном изображении толстых тел в искусстве, был, когда Леонард Нимой выпустил художественную книгу фотографий толстых женщин . По мере того, как росло движение за освобождение от лишнего веса, движение за позитивное отношение к жиру, одним из лучших моментов для меня стало распространение позитивных изображений толстых людей в моих аккаунтах в социальных сетях.

Одно из моих любимых занятий в последнее время — толстые художники. Есть так много удивительно талантливых людей, которые создают невероятные произведения искусства, изображающие толстые тела. В моем доме у нас есть несколько артов сказочной Кэтрин Хак (полное раскрытие, она друг). Но я слежу за другими художниками, потому что я всегда могу использовать какое-нибудь более потрясающее изображение толстого тела в моем доме!

Я люблю составлять списки. Я пытаюсь постепенно составить список как можно большего количества толстых артистов, так что это только начало.Они не должны быть специально сосредоточены на представлении толстых, я верю в прославление и поддержку толстых артистов. Пожалуйста, добавьте комментарий, если вы знаете кого-то, кого я должен проверить! В будущем я буду делать посты о музыкантах и ​​других артистах.

В ходе своего исследования я нашел отличный аккаунт IG Artifats . Они не были активны какое-то время, но вы должны проверить их прошлые ссылки. Они выделяют некоторых замечательных художников.

Итак, вот список из 10 толстых артистов, которых стоит проверить.

Tiana Conyers

Ig: @TianaconyersArt

TT:

TT:

TT: @TianaconyersArt

https://linktr.ee/tianaconyersart

Bio: Tiana Conyers квир, темнокожий иллюстратор из Омахи, штат Небраска.

Начав свою профессиональную карьеру в искусстве в 16 лет, Коньерс сделала плодотворную карьеру молодого художника, где она создавала работы для ряда местных организаций и была ведущим художником We Thrive in Middle Spaces. серия иллюстраций для рекламных щитов с изображением цветных омаханцев LGBTQIA2S+.

В детстве Коньерс росла, играя в видеоигры в жанре файтинг, не ложась спать перед сном за просмотром мультфильмов и копируя рисунки из своей любимой манги. Все это оказало огромное влияние на ее стиль рисования, который часто включает преувеличенные мультяшные выражения и жирные цветовые палитры.

Во взрослом возрасте основной темой в творчестве Коньерса является акцент на изображении толстых тел, которые в евро-американских обществах часто считаются недостойными уважения и редко становятся предметом искусства.Помимо изображения толстых тел, в работах Коньерса часто используются секс-позитивные образы и лица, идентифицирующие себя как квир.

Kathryn L. Hack

Ig: @ Kathrynhack /

TT: @fatmystic

Etsy:

Etsy:

Etsy: Fatmystic

Bio: После работы как наставник и пастором в течение 10 лет, Кэтрин Хэк сосредоточилась на своей страсти к искусству как средству личной и духовной реализации.В 2016 году у Кэтрин был диагностирован липедема, и она обнаружила, что создание произведений искусства, отражающих ее тело, позволяет ей видеть красоту в своей форме, а не только боль. Для Кэтрин путь к исцелению своего тела должен был включать полную любовь к себе. Она стремится привить активную любовь к себе людям, страдающим ожирением, как важный шаг на пути к здоровью. А также использовать искусство, чтобы улучшить представление ВСЕХ ЛЮДЕЙ о себе.

Кэтрин создала «Любимое тело» в начале 2018 года. Она страстно говорит об отказе от стыда за свое тело и противодействии аспектам нашей фобической культуры.Ее семинары и уроки смешанной техники предназначены для художников всех уровней и всех людей. Кэтрин любит говорить: «Искусство — это мост к свободе, мы можем добраться туда вместе!»

Кэтрин живет в Окленде, Калифорния, с мужем и двумя маленькими детьми.

Дина Родригес

Ig: @lettershoppenation

TT: @lettershoppe

Artist’s Bio: Художник здесь, чтобы помочь вам ударить себя на бордюр.

Я Дина Родригес, художница Letter Shoppe. Я начал этот онлайн-бизнес в 2013 году как подработку, чтобы быть более креативным помимо моей работы в области графического дизайна, но с годами он превратился в полностью загруженный бренд художественной одежды с более чем 100 продуктами и продолжает расти.

То, что началось как внештатная карьера по рисованию логотипов, написанных от руки, превратилось в создание все более личных произведений искусства, в которых я выражаю свои чувства тысячам незнакомцев в Интернете.

Я несколько раз терпел неудачу, пытаясь построить свою художественную карьеру за последние 7 лет, но только когда я начал создавать работы, основанные на моем личном опыте, у меня появилось много последователей.Я понял, что люди меньше заботятся о моих навыках художника и гораздо больше о сообщениях, стоящих за моими иллюстрациями.

Благодаря своему самосознанию и творчеству я, наконец, нашла способ принять себя, полюбить свое тело и избавиться от всего того, что думают обо мне другие люди. Я думаю, если вы все еще читаете это прямо сейчас, вы тоже этого хотите, и, возможно, именно поэтому вы здесь.

Санне Тайс

IG: @full_of_freckles_illustrations/

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА: Я Санне.Вы также можете знать меня как Полную Веснушек. Я живу в сельской местности, где встречаются Бельгия и Нидерланды. Я наполняю свои дни творчеством во всех отношениях. Но больше всего рисование. Мои иллюстрации красочные и веселые, и я люблю рисовать маленькие повседневные радости и эмоции.

В этом интернет-магазине вы найдете произведения искусства «Веснушки», которые можно купить, и книги, которые я имел честь иллюстрировать.

Вы увидите, что интернет-магазин разделен на разные коллекции, чтобы вам было проще.Таким образом, вы можете делать покупки по теме или типу продукта.

Так что просто прогуляйтесь и не стесняйтесь обращаться ко мне любым удобным для вас способом, если у вас возникнут вопросы.

Мкс. Андре Террел Джексон

IG: @andreterreljackson

https://linktr.ee/Andreterreljackson

БИОГРАФИЯ ИСПОЛНИТЕЛЯ: Мой процесс создания подобен хип-хопу, моей семье и моим друзьям: я пробую ; Я делаю ремиксы визуальных отсылок к истории, поп-культуре и культурам диаспор; Я читаю рэп о разных гранях личности и опыта.На жаргоне чернокожих «делать больше всего» означает, что кто-то ведет себя сверх того, что необходимо; как производитель я воплощаю это. Скрывая текст, вызывая эзотерические образы и работая абстрактно, я заставляю зрителя исследовать и подвергать сомнению мою работу и, надеюсь, их предположения о политике идентичности. Таким образом, презентация, репрезентация и исполнение являются критически важными объектами исследования.

Каждый материал, который я использую, действует как единый голос в хоре, который является моей основной работой. Силикон, металлические шайбы, пряжа, акриловая краска, блестки, волосы и т.д.служить отдельными певцами, добавляя гармонии и модулируя тональности, выходя за пределы их единственного значения и добавляя к разговору о моих пересекающихся идентичностях. Таким образом, коллажирование жизненно важно для моего процесса; каждый слой материала служит для анализа сложности вопросов, решаемых в рамках моей работы. Уравновешивая легкомыслие и полезность, я начинаю сомневаться в том, что мы ценим. Сопоставление материальных представлений (жесткий/мягкий, жесткий/гибкий, блестящий/блестящий/матовый) позволяет мне начать говорить о предполагаемых противоречиях моей жизни.Преобразуя и адаптируя обычные материалы, я могу заставить зрителей иначе думать о том, что они видят каждый день.

Превращение красоты в товар привело нас к вопросу об эстетическом удовольствии, часто предполагая, что красивые объекты лишены смысла и гравитации. Я использую это предположение в качестве точки входа, троянского коня для решения сложных проблем. Я размышляю о том, что значит быть красивым как черный человек, когда «черность» как идея и конструкция использовалась для дегуманизации людей, а черты, связанные с чернотой, считались нежелательными.Когда мы говорим о расе, мы часто имеем в виду белизну, в которой белизна является нормализатором. Вместо того, чтобы концентрироваться на белизне, я концентрируюсь на себе, чтобы нормализовать свой опыт черного квир-человека. Исследуя свои пересекающиеся идентичности, я начинаю работать с собственными воспринимаемыми противоречиями себя.

Элизабет Уолден.Ее работа исследует ее отношения со своим толстым женским телом, сформированные современной американской культурой и историей искусства, с использованием различных живописных, гравюрных, скульптурных и экспериментальных техник смешанной техники. Элизабет преподавала гравюру художникам всех возрастов в Университете Нью-Хейвена и Центре современной гравюры в Норуолке, штат Коннектикут, где она была координатором по образованию. Ее работы широко выставлялись в США и за рубежом, включая персональные выставки в Университете Брауна в 2015 году и в Центре искусств Малтнома в 2019 году.Она получила степень бакалавра в Йельском университете в 2009 году и степень магистра искусств в Школе дизайна Род-Айленда в 2013 году. давление, чтобы ненавидеть себя из-за этого. Я знаю, что из-за того, что мое тело толстое и женское, многие люди найдут меня отвратительной и подумают, что я некрасивая, ленивая, нездоровая и недостойная. Таким образом, мое искусство является результатом постоянного взаимодействия с моей политизированной плотью как с субъектом, объектом и инструментом для создания искусства.Гравюры, картины и керамика, которые я создаю, существуют в континууме между репрезентацией и абстракцией, между откровенной непосредственностью отпечатка тела и языком абстрактной живописи, между моим обожанием изобилия плоти и отвращением к ней мира. Как феминистка, я с подозрением отношусь к почитанию красоты, поскольку слишком хорошо знаю, насколько угнетающей может быть эта концепция, особенно для маргинализированных людей. Тем не менее, когда я смотрю на следы и предметы, которые оставляет мое тело, я чувствую себя освобожденным и могущественным, потому что я могу видеть не только их красоту, но и внутреннюю ценность и человечность во всех телах, на которые они похожи.

Хотя большая часть моей предыдущей практики была сосредоточена на изображении моего собственного толстого женского тела в рисовании, живописи и гравюре, в последнее время я сосредоточился на ручном изготовлении фигурных керамических горшков и ваз, изображающих толстые тела. Эта практика позволила мне расширить вопросы идентичности, репрезентации и красоты, с которыми я столкнулся в своей предыдущей работе, за пределами ограничений моего собственного телесного опыта. Разнообразие форм тела, найденных в этих скульптурах, хотя часто неоднозначное или абстрактное в их гендерном и расовом представлении, исходит из конкретных наблюдений как за моим собственным толстым телом, так и за телами других людей.Ценность этих кашпо как функциональных и декоративных объектов, а также их нежность и юмор противоречат нашим культурным представлениям о толстых и других маргинальных телах. Я надеюсь, что эта работа заставит зрителя пересмотреть свои представления о красоте и развить в себе сочувствие к толстым людям, хотя меня устраивает, когда в ответ я просто останавливаюсь и нюхаю растения.

Найма Лоу

IG: @trial_and_error_dot_art/

https://linktr.ee/naimalowe

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА: b. 1979 г. Мидлтаун, Коннектикут, США Наима Лоу происходит из длинного рода чернокожих, занимающихся производством вещей. У нее есть родители, бабушки и дедушки, прадедушки и прапрадедушки, которые являются музыкантами, модельерами, учителями, официантками и сельскохозяйственными рабочими. Она уходит корнями в культуру чернокожих, характеризующуюся алхимическими стратегиями выживания, известными как сотрудничество и импровизация. Наима выставляла видео, перформансы и инсталляции в киноархиве Anthology, музее Wing Luke, фестивале экспериментального кино MiX, культурном центре Джека Стро, церкви Джадсона и музее современного искусства Сиэтла.Ее B.A. из Университета Брауна, магистр иностранных дел из Университета Темпл, и она была частью различных резиденций, включая Колонию Миллей, Центр студии Вермонта и Центр современного искусства Бемис.

Найма также является создателем независимого издания по искусству и дизайну Проб и ошибок.

Мои видео, перформансы, рисунки, скульптуры и совместные проекты рождаются из критического основного убеждения: культурное творчество и высказывание чернокожих носит обширный, инклюзивный, совместный характер и всегда направлено на обучение, обучение и наставничество из поколения в поколение.Это убеждение основано и поддерживается моей приверженностью, любовью и бесконечным любопытством к черным людям и черной культуре. Импровизация, как воплощение черной изобретательности, творчества, щедрости и выживания, предлагает мне обширный набор художественных инструментов и общий словарный запас с художниками многих дисциплин и профессий. Как импровизатор, я принимаю противоречия между структурой и спонтанностью; традиции и инновации; индивидуальность и коллективизм. Мне комфортно в дискомфорте от незнания всех ответов, и я верю, что моя аудитория сделает то же самое.Мои художественные достижения соответствуют моим ценностям и практике учителя, активиста и общественного лидера. Моя работа исходит из моего сердца и представляет собой мир, который я хочу создать и в котором я хочу жить.

WENDY Masters

Ig: @ ArtbyWendymasters /

TT: @artbywendymasters

Bio: Мое имя Венди. Я верю в красоту тел и пытаюсь выразить это в своих картинах. Я просто толстый квир-художник, который просто пытается показать красоту толстых тел.

Джиллиан Мари Браунинг

Ig: @ Jillianmariebrowning /

TT:

TT:

TT: @JillianmarieBrowning

Bio: Джиллиан Мари Браунинг (она / они) — это междисциплинарный художник, преследующий темы феминизм, идентичность и современный черный опыт. Родившиеся в Окале, штат Флорида, они получили степень бакалавра наук в области фотографии в Университете Центральной Флориды в 2012 году и степень магистра изящных искусств в области студийного искусства в Университете штата Флорида в 2015 году.Их работы демонстрировались на национальном уровне, а также были включены в постоянную коллекцию Центра фотографии в Вудстоке, Юго-восточного музея фотографии и Центра изучения изобразительных искусств и культуры Дэвида К. Дрискела Университета Мэриленда. американцев и африканской диаспоры. Им нравятся щенки, комиксы, розовый цвет и радикальный феминизм. В настоящее время они проживают в Гейнсвилле, штат Флорида, со своим пожилым чихуахуа и работают в Школе искусств и истории искусств Университета Флориды.

Джесси Эгнер

IG: @jesseegner/

БИОГРАФИЯ ХУДОЖНИКА: Джесси Эгнер — художник, работающий в основном с фотографией и видео. Часто принимая форму игривого и абсурдного портрета самого себя и других людей, его работы исследуют темы странности, дезидентификации, странной телесности и сверхъестественного. Эгнер родился в 1993 году в Ланкастере, штат Пенсильвания, и в настоящее время живет в Бруклине, штат Нью-Йорк. Его работы недавно были включены в выставки Художественного музея Академии в Истоне, штат Мэриленд; Северо-западный фотографический центр в Сиэтле, штат Вашингтон; El Rincón Social и Box 13 ArtSpace в Хьюстоне, штат Техас; Колумбийский колледж в Чикаго, штат Иллинойс; и Международный фестиваль фотографии Пинъяо в Пинъяо, Китай.Он получил степень бакалавра в Университете Миллерсвилля в Пенсильвании в 2016 году и в настоящее время является кандидатом на получение степени магистра фотографии в Школе дизайна Парсонс в Нью-Йорке с предполагаемой датой выпуска в июле 2020 года.

Как партнер Amazon я зарабатываю на соответствующих покупках.

Спорный второй акт Ренуара | Искусство и культура

Дом Ренуара в Кань-сюр-Мер, на юге Франции, был источником вдохновения ( The Farm at Les Collettes , 1914).Завещание Шарлотты Джине Абрамс в память о ее муже Люсьене Абрамсе, 1961 год / Музей Метрополитен, Нью-Йорк

В октябре 1881 года, вскоре после того, как он закончил свой радостный Lunche of the Boating Party , вероятно, самую известную его работу и, безусловно, одну из самых почитаемых картин за последние 150 лет, Пьер-Огюст Ренуар уехал из Парижа в Италию, чтобы исполнить давнее стремление. Ему было 40 лет, и он уже был известен как пионер импрессионизма, движения, которое бросило вызов французской академической живописи своими смелыми попытками запечатлеть свет в уличных сценах.Представленный ведущей галереей и собранный знатоками, он исполнял завидную роль уважаемого, если еще не хорошо оплачиваемого, иконоборца.

Той осенью он стремился добраться до Венеции, Рима, Флоренции и Неаполя и увидеть картины Рафаэля, Тициана и других мастеров эпохи Возрождения. Он не был разочарован. Действительно, их виртуозность привела его в трепет, и знаменитый художник вернулся в Париж в состоянии, близком к шоковому. «Я зашел в импрессионизме так далеко, как только мог, — вспоминал позже Ренуар, — и понял, что не могу ни рисовать, ни рисовать.

Открывшая глаза поездка стала началом конца Ренуара, которого большинство из нас знает и любит. Он продолжал рисовать, но совершенно в другом ключе — больше в мастерской, чем на пленэре, меньше увлекаясь игрой света, чем такими непреходящими сюжетами, как мифология и женские формы, — и через десятилетие Ренуар вошел в то, что называется его поздний период. Критическое мнение было явно недобрым.

Еще в 1913 году американская импрессионистка Мэри Кассат писала другу, что Ренуар писал отвратительные картины «чрезвычайно толстых рыжих женщин с очень маленькими головами.Не далее как в 2007 году искусствовед Роберта Смит, New York Times , оплакивала «акры поздних обнаженных тел» с их «тяжеловесной зрелищностью», добавляя, что «клевета на «китч» была брошена на их пути». И Метрополитен-музей, и Музей современного искусства в Нью-Йорке избавились от произведений Ренуара позднего периода, чтобы разместить предположительно более значительные работы. В 1989 году МОМА продал картину Ренуара 1902 года « Лежащая обнаженная », потому что «она просто не принадлежала к истории современного искусства, которую мы рассказываем», — сказал в то время куратор картин Кирк Варнедо.

«По большей части поздние работы Ренуара были вычеркнуты из истории искусства, — говорит Клаудия Эйнеке, куратор Художественного музея округа Лос-Анджелес. «Ренуара считали интересным и важным художником, когда он был с импрессионистами. Потом он как бы растерялся, стал реакционером и плохим художником — таково было расхожее мнение».

Если зрелый Ренуар стал считаться устаревшим, погрязшим в ностальгии и затмеваемым кубизмом и абстрактным искусством, новая выставка призвана отдать ему должное.После открытия прошлой осенью в Большом дворце в Париже «Ренуар в ХХ веке» отправится в Художественный музей округа Лос-Анджелес 14 февраля и в Художественный музей Филадельфии 17 июня. лет объединяет около 70 его картин, рисунков и скульптур из коллекций Европы, США и Японии. Кроме того, работы Пабло Пикассо, Анри Матисса, Аристида Майоля и Пьера Боннара демонстрируют часто упускаемое из виду влияние Ренуара на их искусство.

На выставке представлены одалиски и купающиеся обнаженные тела (в том числе Лежащая обнаженная , в настоящее время находится в частной коллекции), средиземноморские пейзажи и города, светские деятели и молодые женщины, расчесывающие волосы, вышивающие или играющие на гитаре. Многие созданы по образцу известных работ Рубенса, Тициана и Веласкеса или отдают дань уважения Энграм, Делакруа, Буше и классической греческой скульптуре. «Ренуар твердо верил в необходимость ходить в музеи, чтобы учиться у других художников», — говорит Сильви Патри, куратор парижской выставки.Она перефразирует Ренуара: «Желание стать художником развивается перед картинами, а не на открытом воздухе перед красивыми пейзажами».

Любопытно, что, хотя мнения экспертов были против его более поздних работ, некоторые коллекционеры, в частности изобретатель из Филадельфии Альберт Барнс, купили множество полотен, а крупные художники поддержали усилия Ренуара. «В старости молодые художники-авангардисты считали Ренуара величайшим и наиболее важным современным художником, наряду с Сезанна», — говорит Эйнеке.

Возьмите его картину 1895-1900 годов Эвридика . Основанная на классической позе сидящая обнаженная натура наделена непропорционально большими бедрами и бедрами на фоне размыто окрашенного средиземноморского пейзажа пастельных зелено-фиолетовых оттенков. «Именно эта свободная интерпретация традиционного предмета, это чувство свободы очаровали Пикассо», — говорит Патри. Эвридика была одной из семи картин и рисунков Ренуара, собранных Пикассо, и, как добавляет куратор, она, вероятно, послужила источником вдохновения для его полотна 1921 года Сидящая купальщица, вытирающая ноги .(Несмотря на попытки дилера Пикассо Пола Розенберга познакомить их, два художника так и не встретились.) Айнеке вспоминает, как ее профессора истории искусства называли Эвридику и столь же монументальные обнаженные тела Ренуара «пневматическими девушками с шинами Мишлен». Она надеется, что сегодняшние зрители отождествят их с классическим стилем, рассматривавшим такие фигуры как символы плодородия, и увидят в них предшественников современных обнаженных тел, созданных Пикассо и другими.

Позднее принятие Ренуаром традиции также во многом было связано с тем, что он остепенился после того, как в 1890 году женился на одной из своих моделей, Алине Шариго.Их первый сын Пьер родился в 1885 году; Жан последовал за ним в 1894 году, а Клод — в 1901 году. «Более важным, чем теории, было, на мой взгляд, то, как он превратился из холостяка в женатого мужчину», — писал кинорежиссер Жан в своих любовных мемуарах 1962 года « Ренуар, мой отец». .

Жан и Клод Ренуар были призваны на службу в качестве моделей с младенчества. Для картины 1895 года Габриэль Ренар — домоправительница семьи и частая модель — попыталась развлечь годовалую Джин, как буйный ребенок, играющий с игрушечными животными.«Картина Габриэль и Жан была не совсем синекурой», — пошутил художник. Клода, собравшего не менее 90 работ, пришлось подкупить обещаниями электропоезда и ящика масляных красок, прежде чем он наденет ненавистные колготки за . Клоун , приветствие отца Жану-Антуану. Шедевр Ватто начала 18 века Пьеро . (Годы спустя Пикассо нарисовал своего сына Пауло в образе Пьеро, хотя этой работы нет на нынешней выставке.)

В более поздних портретах Ренуара мало попыток проанализировать личность натурщика.Больше всего его интересовала техника, особенно техника Рубенса, чьим мастерством работы с пигментами он восхищался. «Посмотрите на Рубенса в Мюнхене, — сказал он искусствоведу Вальтеру Паху. «Здесь великолепный цвет, необыкновенного богатства, хотя краска очень тонкая».

Ренуар также стал меньше интересоваться изображением реальности. «Как трудно точно найти момент, когда картина должна перестать быть имитацией природы», — сказал он в конце своей жизни художнику Альберу Андре, наставником которого он был.На портрете Ренуара 1910 года мадам Жосс Бернхейм-Жен и ее сына Анри изображена невыразительная мать, держащая своего столь же невыразительного ребенка. Когда она обратилась к Огюсту Родену с просьбой убедить Ренуара сделать ее руку тоньше, скульптор вместо этого посоветовал художнику ничего не менять. «Это лучшая рука», которую ты когда-либо делал, сказал ему Роден. Он оставил его в покое.

Ренуар, общительный персонаж с острым чувством юмора, вел оживленное домашнее хозяйство со своей женой в парижском районе Монмартр.Среди гостей ужина были Клод Моне и поэты Стефан Малларме и Артюр Рембо.

В 1897 году у Ренуара был диагностирован ревматоидный артрит, и он последовал рекомендации своего врача провести время в более теплом климате юга Франции. Он купил ферму Les Collettes в Кань-сюр-Мер в 1907 году. Болезнь Ренуара медленно калечила его руки и, в конечном счете, ноги, но «угроза полного паралича только подстегнула его к возобновлению деятельности», — вспоминал Жан Ренуар. «Несмотря на то, что его тело пришло в упадок, — писал Матисс, — его душа, казалось, стала сильнее и выражала себя с большей легкостью.

В 1912 году, когда Ренуар был в инвалидном кресле, друзья наняли специалиста из Вены, чтобы помочь ему снова ходить. После месяца или около того на укрепляющей диете он почувствовал себя достаточно сильным, чтобы попробовать несколько шагов. Врач поднял его в стоячее положение, и художник огромным усилием воли ухитрился раскачиваться вокруг своего мольберта. — Я сдаюсь, — сказал он. «Это требует всей моей силы воли, и у меня не осталось бы ни одной для рисования. Если бы мне пришлось выбирать между ходьбой и рисованием, я бы предпочел рисовать.

Так он и сделал. В 1913 году он объявил, что приближается к цели, которую поставил перед собой после поездки в Италию 32 года назад. «Я начинаю учиться рисовать», — заявил 72-летний художник. «Мне потребовалось более 50 лет труда, чтобы зайти так далеко, и это еще не конец». Необыкновенный трехминутный немой фильм на выставке запечатлел его за работой в 1915 году. Ренуар почти вертикально сжимает кисть в сжатом перевязанном кулаке и тычет в холст. Он откидывается назад, косится глазами, чтобы вглядеться в картину, затем снова атакует ее, прежде чем положить кисть на палитру.

Это было непростое время — два его старших сына были ранены в начале Первой мировой войны, а его жена умерла в июне того же года. В то время как миллионы людей гибли в окопах, в Кане Ренуар создал Аркадию, укрываясь в вечных сюжетах. «Его обнаженные тела и его розы объявили мужчинам этого века, уже глубоко погруженным в свою задачу разрушения, устойчивость вечного равновесия природы», — вспоминал Жан Ренуар.

Огюст Ренуар работал до дня своей смерти, 3 декабря 1919 года.В то время в его мастерских было более 700 картин (всего за всю его жизнь было около 4000). Чтобы нарисовать одну из своих последних работ, «Купальщицы » в 1918–1919 годах, он поместил холст на вертикальные ролики, что позволило ему оставаться в сидячем положении во время поэтапной работы. «Это тревожная картина, — говорит Патри. Две мясистые нимфы на переднем плане «очень красивы и грациозны», говорит она, а пейзаж на заднем плане «напоминает искусственный гобелен».

Матисс назвал его шедевром Ренуара, «одной из самых красивых картин, когда-либо написанных.В один из своих визитов в Кань он спросил своего друга: зачем себя мучить?

«Боль проходит, Матисс, — ответил Ренуар, — но красота остается».

Давний автор Ричард Ковингтон пишет об искусстве, истории и культуре из своего дома недалеко от Парижа.

Пьер-Огюст Ренуар (в 1915 году) относился к классическим предметам с «чувством свободы», говорит куратор Сильви Патри.Халтон Архив / Getty Images

Девушка с корзиной рыбы , 1889, Ренуар.
Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия, подарок Робертсона Коу, фото © 2009 Национальная художественная галерея, Вашингтон, округ Колумбия.

Две девушки читают , около 1890-91, Ренуар.Музей искусств округа Лос-Анджелес, Фонд закупок Фрэнсис и Арманд Хаммер, фото © 2009 Museum Associates / LACMA

Купальщица на скале , 1892, Ренуар.
Частная коллекция, Париж. Фото © 2009 Частная коллекция / Питер Вилли / Художественная библиотека Бриджмена.

Габриэль и Жан , 1895, Ренуар.Музей Оранжери, Париж, коллекция Жана Вальтера и Поля Гийома, фото © 2009 Musée de l’Orangerie, Париж / RMN, Эрве Левандовски

Пикассо, поклонник, купил Ренуара Эвридика (1895-1900), что повлияло на его собственное творчество. Но один эксперт говорит, что «поздние работы Ренуара были вычеркнуты из истории искусства.»
Музей Пикассо, Париж / Международная художественная библиотека Бриджмена

Женщина, играющая на гитаре , 1896-97, Ренуар.
Музей изящных искусств, Лион, фото © 2009 Réunion des Musées Nationaux / Art Resource, Нью-Йорк (ART146681)

Белый Пьеро , c.1901-2, Ренуар.
Детройтский институт искусств, завещание Роберта Х. Таннахилла, фото © 2009 Детройтский институт искусств, США / завещание Роберта Х. Таннахилла / Бриджмен Жиродон

Терраса в Кани , 1905, Ренуар.
Художественный музей Бриджстоун, Фонд Исибаси, Токио. Фото © 2009 Художественный музей Бриджстоун, Фонд Исибаси.Все права защищены.

Дом Ренуара в Кань-сюр-Мер, на юге Франции, был источником вдохновения ( The Farm at Les Collettes , 1914).
Завещание Шарлотты Джине Абрамс в память о ее муже Люсьене Абрамсе, 1961 год / Музей Метрополитен, Нью-Йорк

Танцовщица с бубном , 1909, Ренуар.Национальная галерея, Лондон, фото © 2009 Национальная галерея, Лондон / akg-images

Ренуар сказал, что изо всех сил пытался «найти момент, когда картина должна перестать быть имитацией природы». Клоун (1909) отдал дань уважения Ватто.
Музей Оранжери, Париж. Фото © 2009 Musée de l’Orangerie, Париж / RMN, Франк Ро.

Жан в образе охотника , 1910, Ренуар.Музей искусств округа Лос-Анджелес, Дар щедрости покойного Жана Ренуара и мадам Дидо Ренуар, Фото © 2009 Museum Associates / LACMA

Автопортрет в белой шляпе , 1910, Ренуар.
Частная коллекция предоставлена ​​галереей Дюран-Рюэль, Париж, фото предоставлено галереей Дюран-Рюэль, Париж / akg-images

Портрет Ренуара мадам Жосс Бернхейм-Жен и сына (1910) понравился Ренуару, но не ей.Музей Орсе, Париж / Жиродон / Международная художественная библиотека Бриджмена

Габриэль с розой , 1911, Ренуар.
Музей Орсе, Париж, фото © 2009 Музей Орсе, Париж, Эрве Левандовски

Концерт , 1918-1919, Ренуар.Коллекция, Художественная галерея Онтарио, Торонто, Дар Рубена Уэллса Леонард Эстейт, Фото © 2009 Художественная галерея Онтарио, Торонто / Художественная библиотека Бриджмена

«Я не умру, пока не выложусь по полной», — сказал Ренуар, рисуя «Купальщицы » (1918–1919). Это была его последняя крупная работа.Музей Орсе, Париж / Международная художественная библиотека Бриджмена

Художники

Рекомендуемые видео

.

Author: alexxlab

Добавить комментарий

Ваш адрес email не будет опубликован.